El Instrumento de la Música es el Ser Humano...

Best Friends Forever: Amistad atemporal

2009-10-21T06:26:00.000-07:00

Cuando abre el tema "24" el álbum "Romance Conflict Adventure" de Best Friends Forever (o, siguiendo la tendencia; BFF); uno se pregunta cuán lejana puede llegar a ser la mirada retrospectiva de esta cajita engañosa llamada pop. Y, casi esbozando una sonrisa, se deja uno engatuzar por las dinámicas, disparatadas, mutantes, y geniales melodías de este trío. Y ya cuando aterrizamos en "Handpocket", estamos absolutamente encantados con su canto geminiano, femenino, juguetón, de siquiátrico en navidad.
Best Friends Forever es un trío que realmente hace gala de la idea de que "menos es más": un claro órgano transversal en la mayoría de las canciones; un bajo pulsante, casi arrítmico a veces, pero siempre desafiante; y una batería que no sufre de pánico escénico al quedar muchas veces en primer plano, apoyando de manera desnuda a ese par de voces que casi, casi construyen un declamatorio melódico; en el borde del abismo del rapeo y de la canción que necesita todas las palabras del mundo para decir lo que desea, que se desborda de planteamientos hilados en una melodía que la alberga tan rápido como la arroja a otra línea tonal.
BFF es exagerado, dramático, patético, cambiante, es un rompecabezas con muchas piezas multicolores y fosforescentes. Con claros guiños a música pasada sin ninguna vergüenza de mostrar esos tesoros, como en "Ghost Song", con su rapeo ochentero que te hace ver si realmente es el mismo álbum aún.
Es menester decir que el disco entero no es una joya completamente pulida, y hay unos pequeños tumbos, grietas y demases. No es redondo, pero cuando escuchas canciones como "Eisenhower is the Father", o la cuasi épica "HWF" con su temible coro, que pareciera generar una fobia a la rutina ("good morning, good afterNOON, GOOD NIGHT!!!!, good morniiiiiiiiiiiiiiiiiiiing again...) se es capaz de perdonar esos baches. Dan ganas de hacerse amigos para siempre de este trío.

La extraña asociación entre La Historia Sin Fin y los Puentes sobre Madison

2009-08-04T14:18:00.000-07:00

Sí, también pensé que una idea que relacione estas dos películas es bastante absurda. No obstante, no pude dejar de pensar al ver esa prístina historia de amor incompleta donde actúa este singular Clint Eastwood (un hombre que se ha ganado todo mi respeto y me sacaría el sombrero vaquero que no tengo delante de él) y la historia de Sebastián, traducida al celuloide del relato de Michael Ende.
Para empezar, ambas son adaptaciones literarias. Y, bellamente, ambas son metalecturas: en ambos filmes somos partícipes de la lectura de otra historia. Esta suerte de matrushka literario-fílmica nos deja con, al menos, dos historias dentro de cada película: la del lector o lectores y la historia en sí. En un caso una se nutre más fuertemente de la lectura ya que es elemento fundamental para cambiar el epílogo de la misma (La historia sin fin); sin embargo, la lectura por parte de los hijos de la madre (cuasi) adúltera también es decisivo para completar el ciclo y terminar con sus cenizas flotando junto a su ser amado. Y con ello dando a entender que la armonía ha regresado y que el propósito de ella con sus cuadernillos de notas se ha cumplido.
Otro hecho interesante es cómo se resuelven las tensiones dentro de cada narración, esos paréntesis donde los lectores de ambas obras comentan sobre ella o se vuelve a ellos para agregar información o para mantener la tensión, esas pausas son interesantes y a la vez, nos crean un enganche aún más fuerte por conocer lo que viene.
Y, por qué no notarlo, ambas son historias de amor quebradas e incompletas: la princesa nunca se queda directamente con Sebastián; él se a va a volar en su dragón para seguir armando Fantasía, y Robert nunca vuelve a ver a Francesca hasta su muerte. Y si estas son historias de amor que se guardan con cariño y encomio, quiere decir que hay algo mucho más interesante, adorable y mórbido en el amor que nunca se concreta que en el que sí.
Me gustaría ver a Robert sacando fotografías de las tierras de Fantasía tomado de la mano de Francesca, mientras Sebastián saca de paseo a la princesa en aquél veloz caracol a cruzar el puente de Madison.

Instrumentos: 1.- La Guitarra

2009-07-07T12:45:00.000-07:00

Cuando ya pensaba que nunca más escribiría para este blog, de pronto se dieron las posibilidades de continuar.
Voy a proseguir estas entregas hablando ya no de bandas ni críticas de ningún tipo; desde ahora me referiré a los instrumentos musicales que han llamado mi atención, desde una perspectiva más bien personal, aunque trataré de añadir algún dato interesante y contingente.
Comencemos, pues, con la guitarra. He encontrado unas interesante información acerca de la etimología de la palabra guitarra:
El diseño del instrumento es una evolución de la chítara romana, pero la palabra "guitarra" nos viene del árabe gitara. Es interesante notar que ambas palabras chitara y gitara vienen del griego kithara.
Pero volviendo a la parte subjetiva y personal de esta entrega, he de decir que la guitarra siempre ha tenido una ambivalencia para mí: por un lado es un instrumento intrigante, lleno de posibilidades y texturas, simple de comenzar pero complicada y enrrevesada de continuar, un camino largo y sinuoso, como su propia forma, toma el que decide hacer de la guitarra su compañera de sonidos.
Por otro lado, la guitarra tiene esa vulgaridad exagerada y muy determinada por los medios de comunicación de masas y otras vituallas que le han dado siempre ese cariz de carretera, joven, rockera, dispuesta a ser magullada y destruída, una suerte de ramera bohemia y masoquista.
Mi primera guitarra, que me acompañó largo tiempo también, fue la guitarra que le regalaron a mi padre hace sus años ya. Recuerdo el dolor en las yemas de los dedos a medida que me familiarizaba con sus posturas; con el grosor de sus cuerdas, con la extrema diferencia entre cuerdas de nylon y metálicas, en fin.
Lo más bello fue, sin lugar a dudas, empezar a tocar las primeras canciones: cómo los rasgueos contínuos y arrítmicos empezaban a formar una canción con la cual cantar por encima de ese acompañamiento de 6 cuerdas. Y para qué decir el hecho de sacar tú mismo tus primeras canciones, entender las malignas (y borrosas) notas sacadas de un cancionero o impresas en unas hojas sueltas. Para qué hablar de la gracia y la dicha de poder acompañar una fogata con un montón de canciones y darle a esa reunión un carácter lúdico y preciado al realizar esa vieja tradición de alzar la voz, tratando que suene melódica. O las primeras bandas con la guitarra eléctrica al hombro y los destartalados primeros amplificadores o el equipo de audio de la casa, donde los parlantes llegaban a rechinar por el volumen. O ya las primeras composiciones propias, los ejercicios de escalas, el uso del capodastro, saber afinar de oído, y tantas y tantas situaciones vividas con esa amiga, a veces hasta pareja que era (y es aún) la guitarra.
Creo firmemente que aún no hay nada más bello que una persona tratando de sacar sus primeras notas en una guitarra cualquiera. El esfuerzo y la tenacidad bien valen ese tesoro oculto que entrega este instrumento cuando se le empieza a descubrir.

Javiera y Los Imposibles y su Triniton a Color

2007-10-17T09:08:00.000-07:00

Sí. Se le puede criticar tanto a esta banda. Pero siempre tiendo a pensar que son un gran referente del pop que puede hacerse en Chile.
Este "A Color" comienza muy bien. Con "Soy tu Agua", esa canción rápida, reflectante, con sus frases entre Budistas y Reversivas ("Sed, yo te beberé") impone, claramente, la buena nueva en la que estaba esta agrupación. "Fiesta" suena aún más convocadora, con su estética Disco, sus correctos colchones de cuerdas y sus oraciones limpias y llenas de metáforas ("Te aúllan mis dedos", "Fiesta de almas", etc.). De este punto en adelante, dos serán las influencias principales en las composiciones de Javiera y compañía; Blur y Babasónicos (curiosamente ambos con B). De los primeros está esa desfachatez entre pop y rock-Brit, sin la incursionadora guitarra de Coxon, pero con la guitarra de López que también es cueca. De los segundos hay esa parsimonia en las baladas (como en "Ayuda", con esas clásicas frases a la postre de Babasónicos: "Ayuuda profesional..."); o para qué hablar de sus instrumentales, como "El Elefante", que son casi calcadas de la banda trasandina.
Y ya que estamos en esos rumbos, a Javiera aún no se le pasa el llamado "efecto Henríquez", i.e., esa búsqueda de frases contradictorias del tipo "cuando quiero agua ya no tengo sed", o cualquier retruécano de esa estirpe. Pero en esta banda, ya suena más a cliché que a una búsqueda efectiva -que, por cierto, hace rato que está muy gastada.
Lo bueno: ese pop bien estudiado de sus referentes, esas ganas de no sonar chilenos. Aunque pequen en el gran abismo en el que caen mucha bandas que van a por algo: que tienen esa mala ocurrencia de no resolver nada, ninguna melodía, ningún grupo de acordes, como si supieran de antemano que la audiencia se aburrirá.
De que hay temas que sobran, los hay ("La Luz", "Tal vez, quizás", etc.). Pero hay unos imprescindibles, como "Euforia", que logra resumir lo mejor de su influencia Bluriana, pero bien escueta y con gusto. O la bonita balada que le sigue "Perdón de Dios", que logra llevar la melodía a cotos hermosos, y en la que Javiera sabe guardar sus tonos altos. O "Cuerda para Atarte", con sus guiños electrónicos.
Caso aparte es "Bossa", un estilo que seguirá a Javiera en el próximo álbum "El Poder del Mar". Lo raro es que esta bossa nova es casi una plataforma para deformarla y ver que pasará con ella. El experimento podría ser peor, de cualquier forma.
De todas maneras, es un álbum con garra. Que no logra darle buen escape al anterior "La Suerte", que puede ser el mejor álbum de estos chicos. Al menos su mejor canción "Proverbios" se encuentra ahí. Aunque el resultado es colorido, colorinche, colorado.

Schroeder y Ludwig Von Beethoven

2007-10-11T17:40:00.001-07:00

Esta linda, linda pandilla nacida de la inspiración de Schultz poseía extravagantes (por decir lo menos) personajes.

Y es Schroeder, ese niño rubio, el encargado de brindar y traer a colación la parte más bonita y altruista de lo que acá conocimos como "Charlie Brown" o "Snoopy": (notas al margen: el título original de la tira cómica y dibujo animado era "Peanuts" (Maníes) y Snoopy, es fizgonear o fizgón) La música clásica, así como en Tom y Jerry, por decir algo, era brindada por este neurótico personaje siempre ensayando sus eternas sonatas o conciertos de Beethoven.

Gracias a ello, muchas personas que cuando niños vieron este programa, terminaron amando la música de este salvaje Romántico decimonónico.

¿Qué más agregar? la mezcla es de tanta elegancia y tan buen gusto, tan inspiradora. Este pequeño niño, guardando en un closet una gran cantidad de pequeños pianos y bustos del compositor.

Como agregado final, dos cosas: Muchas veces Charlie Brown quedaba extrañado de cómo podía sonar tan bien un piano de juguete con las teclas pintadas ("Hay que saber manejar los tiempos" fue la magnánima respuesta de Schroeder, quien escuchaba la Novena Sinfonía con un sobretodo, porque ciertas partes le daban escalofríos); y les dejo un pequeño obsequio: la primera parte de "Play it again, Charlie Brown" -son 3- donde Schroeder deleita con sonatas de Beethoven.

Grande entre los grandes, Schroeder.

http://www.youtube.com/watch?v=zJZclaUKCQo&mode=related&search=

The Most Serene Republic, sacando algo del pantano de la mediocridad

2007-10-04T12:33:00.000-07:00

Me gustaría mucho decir que durante este tiempo he encontrado música grandiosa, relativamente nueva, y de grandes probabilidades de optar a un puesto entre aquellas formidables músicas que nos acompañan.

Sin embargo, con un dejo de apatía he de ser honesto y decir que casi todas las bandas y solistas que me he dado el tiempo de poner atención auditiva son, más que menos, basura. Le intenté dar un giro liviano para que no suene como lo que es, pero es así la cosa.

Toda la esperanza recogida, acumulada durante el 2006, se ha disipado al escuchar más bandas de ahora. Todas saben insípidas y repetitivas de motivos que el año pasado al menos, sonaban frescos y altamente altruistas, musicalmente hablando claro.

De toda esta villanía musical, rapiña de otras eras, al menos en algo se salva esta bandita con su "Population" (2007): Tienen tintes a the Fiery Furnaces, a ciertas bandas frescas como Mercury Rev (cuando eran frescos), hasta a L'Altra por los juegos vocales.

La fusión es agradable: vientos, rápidas melodías pop, matices de folk, y un laaargo pastiche maneja el timón de esta agrupación.

No es la invención de la rueda, pero está interesante. De todas maneras, una bruma espesa se cierne sobre las posibilidades de la música de estos tiempos. Es mejor escuchar algo como Canto Antiguo Español del Siglo XV. Más algo de R.E.M.

La Espera y la Modernidad

2007-09-22T15:26:00.000-07:00

Durante estos días, el MP3 player y yo hemos estado gastando o pasando una considerable cantidad de tiempo juntos en viajes de distinta índole y en esperas de ídem.

¿Qué es la espera? El Pequeño Larousse (aquél que firmó la celebérrima frase: "Mamá, lo sé todo") la define como "Tener esperanza de algo. Permanecer en el sitio donde se cree que ha de venir alguien o suceder una cosa. Creer que ha de pasar alguna cosa. Plazo señalado para una cosa".

Esperar es algo muy humano: basta conque una persona llegue después que otra e instintivamente, sin mediar palabra, se ponga detrás de ésta, formando así la denominada "cola"; los otros, a medida que llegan, cumplirán con el ritual de ir poniéndose atrás del último y etc. Ese acto es rotundamente humano; las bestias se lanzan todas en picada a su presa, no hay una fila para tomar el alimento.

Se espera, se espera. Se espera para nacer y para morir. Se espera por el fin de mes, por el fin de semana, por las vacaciones y por el fin de estas, por el fin del semestre y del año. Se espera para que algo comience y algo termine. Se está en el tránsito entre esperar y volver a esperar.

La Modernidad, siempre atenta a cualquier indicio para sacar provecho de éste, toma ventaja también de la tediosa e inevitable espera: mp3 players, celulares con juegos, cámaras y vídeo, psp para jugar en forma portátil, etc. Ya desde el pérsonal estéreo y el tetris a pilas que la cosa se dirigía a aquella dirección.

Las consecuencias que genera el entretenerse durante la espera van en pos de una revalorización de la individualidad: ya no me molesta esperar mientras me tengan mi música, mis videos, mi tele portátil, mis juegos favoritos. En resumen, mientras mi mundo y mis exigencias sean portátiles, no me crea un trauma ni me vuelve un ente enfurecido el hecho de esperar.

Unos esperan que acabe el día y otros la noche. Unos estarán felices que acabe el invierno y otros esperarán por el fin del verano. La espera, esa palabra corta por esperanza, viene en cada momento a susurrar que ha llegado a quedarse. Todo por esta nueva paciencia tecnológica que nos adormece.

Sueños del Chico más blanco sobreviviente

2007-09-06T18:15:00.000-07:00

Cómo no, el 2006, qué año sino ese, nos brinda ahora otra joya de las que se paladean lento, disfrutando cada aroma, armonía, cada nota lenta, pero firme, que va entrando al caudal que intenta formar este disco "Dreams".
Ni Kings of Convenience me conviene ni su trabajo como solista, como Erlend Oye me ha causado tanto revuelo y delicioso agrado como este proyecto. Los temas parecen venir con una cadencia a media trilla entre el baile y el descanso fortuito.
Casi elevándose entre los instrumentos, la voz clara, pero dejada, cansina de Erlend se difumina y vuelve a aparecer. Las canciones dejan entrever una mirada clásica de minimalismo, pero hay también más desfachatez que en los otros mentados proyectos. Se podría hablar de una postura rockera, pero hasta eso sería exagerado. Dejemos que los temas hablen por sí mismos, en ese contínuo devenir que llega al torrente sanguíneo y se libera con un pequeño golpe eléctrico que hace mover la cabeza a este ritmo desacelerado, pero pulsante. Y las melodías, aaaaaaah, las melodías; bonitas, desganadas, certeras.¿Ejemplos?, los que deseen, pero especialmente "Burning", "Inflation", "Done with you" o la excelentísima "Fireworks" con esa frase media esquiva y talvés un poco pesada, pero dardo fuerte "Paciencia es sólo otra palabra para volverse viejo".
The Whitest Boy Alive es sólo una faceta, otra alternativa al cada vez más creciente mundo de Oye. Como en todo, hay facetas que nos gustan más de una persona. Yo, me quedo con ésta no en desmedro de las otras, sino como opción primera.

Writer' Block en pos de Peter, Bjorn, and John

2007-08-26T16:28:00.000-07:00

Para ser honesto, mi primera impresión frente a este nombre de banda tipo trío neo-folky-posible nueva sensación fue de tirria.
Y cierto día, gracias a esa singular radio que es lastfm (que, asegura, compatibilizar nuestro gusto con sólo tipear el nombre de una banda o músico de nuestro agrado) me fue dada la oportunidad de escuchar ese casi himno a estas alturas "Young Folks"; el tema lo tiene todo: un gran enganche a la primera con su rítmica y pulsada batería, su característico silbido -atención a su alusión ya al comienzo mismo de este disco- y un par de voces en el hastío y que suenan lejanas y apestadas, pero a la vez dulces e invitadoras a un algo que saborear durante un rato.
Habiendo escuchado otros trabajos de este trío, realmente este trabajo del 2006 es redondo: el pastiche que logran macerar, amoldar, y construir es potente, evocador, fuerte y, muy importante, nunca pierde su dejo de apatía, como si las canciones en realidad fueran una obligación, como una aburrida lección de colegio; lo que definitivamente les da un nuevo nivel para ser queridas.
Con su entrada en "Objects of my affection" ya se siente ese melódico trabajo que se queda ahí, dando ganas de tararear aunque sea la primera vez que se escucha la canción, y el estribillo va dando vueltas en una esquina de la mente. Y si bien hay canciones que definitivamente están hechas para no olvidarse ("Start to Melt", "Let's Call it off", "Paris 2004", "Chills", o la demasiado excelente "Amsterdam", que ojalá se convierta en el viento que siga esta veleta) , se aprecia lo orgánico del álbum y se disfruta que el orden sea ése y no otro. De todas maneras, su segunda mitad empieza a decaer y la maravilla prometida en los primeros temas tiende a perderse y el clímax nunca llega. Pero eso sólo puede significar que Peter, Bjorn, and John están en búsqueda de algo más. "Writer's Block" es derechamente discazo y, respetando la regla que impuso el año que recién pasó, es del 2006.

En Busca de lo Puritano en lo Americano (Parte 2)

2007-08-17T14:57:00.000-07:00

Tras el desembarco y la puesta en marcha de su proyecto profundo, los puritanos denominaron al lugar en el que se establecieron "Nueva Inglaterra", la ironía era clara: los autoexiliados de Inglaterra estaban re-creando su propio mundo en un espacio al cual ellos no les interesaba, ni les creaba remordimiento instaurar en un lugar que les era desconocido e impropio un hogar reconocible sólo para ellos.

La intolerancia y el ostracismo se presenta de manera salvaje, confrontacional, y muchas veces irracional: los elegidos no pueden ser tocados ni derrotados por nadie, de lo contrario, perderian su calidad de elegidos. Es por ello que hordas de gente que abrazaban otras formas de religión, i.e., Cuáqueros, peregrinos y anabaptistas, por nombrar sólo algunos, fueron marginados o asesinados directamente para no manchar la inmaculada tierra puritana. Bajo estos preceptos se generan situaciones como la quema de Brujas en Salem al comienzo del siglo XVII. Nada puede detener la unión de la Providencia y los suyos, nada puede detener el progreso de la riqueza económica. Y a raíz de esto, es que esa extrema individualidad es el elemento arquetípico de lo que conocemos como "lo Americano": Lo vemos en todo lo exportado: Batman, el Hombre Araña, Bruce Willis en "Duro de Matar", o el máximo modelo de ello, Clint Eastwood -paradójicamente, el cinematográfico gran conquistador del Oeste tiene la palabra "Este" en su apellido- todo apunta a este ser solitario, en un mundo adverso, dispuesto a hacer lo que sea con tal de sacar adelante su empresa. La empresa. La que originalmente apuntaba a ese destello que solía indicar la buenaventura del Señor. Pero como bien advierte de forma excelsa ese genio que soportaba sobre sus hombros toda la crudeza y belleza del pueblo Ruso como Fiodor M. Dostoievsky: " Quitado Dios todo está permitido". Al perder la conección entre el beneficio material y la grotesca manera de verla como el resultado de la Providencia, el Americano quedó, lisa y llanamente, esclavo del exitismo, del individualismo, y del progreso, pero ya vacuo, sin ninguna meta, sin saber dónde dirigir esta voluntad poderosa a salir adelante ante todo. Y, a raíz de ello, es que se piensa que Elvis Presley o Bill Gates son modelos a seguir.

Días de Radio y yo

2007-08-07T16:12:00.000-07:00

Sí, ya sé que venía la segunda entrega de lo que veníamos hablando, pero en fin. Pensaba en lo útil que llegó a ser un adminículo tan dado de baja hoy por hoy como es la radio. Con la llegada del mp3, el iPod, el mp4 y tanto artilugio para guardar cantidades inconmensurables de música, la sola idea de escuchar unas (a veces) débiles señales de audio desde una radiotransmisión suena absurdo, ¿Para qué deseo escuchar algo que probablemente no toque la música que deseo en el momento que lo quiero?

Hace algún tiempo atrás -esa extraña de recordar ahora era pre-Internet-, era la radio la única manera de enterarse de qué estaba aconteciendo en materia musical. Fue gracias a programas radiales aislados, casi ostracistas a todo lo masivo, que se pudo obtener información, y, porqué no nombrarlo, canciones y obras de bandas y músicos que después harían estragos en nuestra idiosincrasia melómana.

La radio, al contrario de la Internet, era una déspota: no era lo que querías buscar, sino lo que había. Habían programas enteros en que nada parecía valer la pena y habían otros que, por el contrario, brillaban de principio a fin. Para poder eternizar este momento, era artículo de vital importancia el mentado cassette virgen para crear un registro de lo que acontecía en esos horarios. Y de todo este largo y tortuoso proceso nacía un pequeño registro al cual era utilizado, escuchado y re-escuchado hasta la saciedad.

Sí, es cierto: primaba un orden jerárquico con la radio y sus grabaciones, las cosas se planteaban con horarios rígidos y el que no llegaba a tiempo perdía, no todo lo que se grababa era altamente admirado y querido, y algunas veces era necesario sacrificar ciertas melodías en pos de otras, como la ola de lo nuevo borrando a lo viejo. En ese devenir se perdieron grandes cosas y otras altamente olvidables.

Los días de radio, llenos de esperanza, pero también de decepción.

En Busca de lo Puritano en lo Americano (Parte 1)

2007-07-26T16:20:00.000-07:00

Tenía que ocurrir tarde o temprano: Lo supe desde que empecé a escribir este blog que en algún momento la música no iba a ser EL tópico que gobernara este sector. Ya hubo un atisbo de ello cuando hablé del fenómeno causado por "La Pequeña Gigante"; y ahora, con esto, es probable que esto tome un giro radical hacia otros sectores menos alegres, pero tanto o más interesantes.

No será fácil -nunca lo ha sido ni lo será- el develar un secreto tan magnánimo como el de qué material está tejido la enjambrosa red del Alma Americana.

No es mi misión, ni mi interés, ni mi posición la de traer a colación un gran mamotreto acerca de los inicios de una sociedad tan particular, irreverente, desbocada y ostracista como la Americana. Más bien, lo que quiero es esbozar ciertas ideas que me han dado vuelta en la mente hace unos años y que queria ver plasmada en cualquier soporte. Cuantas entregas pueda llegar a dar, o la calidad de las mismas no es lo medular; sino, definitivamente, el inculcar una pequeña materia móvil dentro de esta in y excursión a este desconocido pero reconocible mundo.

Hechas ya las salvedades, el comienzo de este tomará forma de un viaje, un viaje en barco largo y tortuoso para llegar a un Nuevo Mundo. Este viaje parte desde un Viejo Mundo que parece abrirse en vez de cerrarse, lo cual crea esta profunda intolerancia en los que buscan "purificar" la Religión. Los estragos que causa esta búsqueda de comunión, pero, por sobre todo la destrucción, anulación, y negación de los altos magistrados y la jerarquía entre los creyentes.

No puedo seguir escarbando en aquel monumental tema ni tampoco sería lo correcto. Sería desfachatado decir que se conoce bien este cisma absoluto en la Fe.

Lo que nos concierne es este viaje de gente intolerante buscando un nuevo lugar donde desarrollar y fijar su intolerancia. Ahora bien, no todos los viajeros profesaban, vivían esta rica y fructífera nueva forma de ver la relación con lo Superior; muchos eran simples bandidos, haraganes, cacos y gente de mal haber -aunque aquí podrían caber todos- buscando imperiosamente una partida de cero, una nueva oportunidad.

Pero la índole de este magnánimo escape nunca sería fácil, de hecho, incursionar en la Nueva Tierra sería, lejos, la experiencia más difícil, más aterradora en el mayor de los casos, y la más punitiva en otros.

El nombre del primer enemigo del Norteamericano sería Norteamérica misma. La Naturaleza no es simpatética con nadie; deja a sus creaturas hacer lo que se les plazca, pero no entrega misericordia. La mala alimentación, la imposibilidad de encontrar cualquier tipo de comodidad, y un largo etcétera de inconvenientes se deslizarían cual alfombra a recibir a estos colonos alla por los inicios del 1600. Sumémosle a ello la disidencia al orden, la desobediencia de personas y grupos a cualquier intento de organización: la democracia Norteamericana había comenzado sin siquiera votar.

Esto lleva y conlleva uno de los puntos más interesantes a la hora de, digamos, comparar esta conquista del Nuevo Mundo con otras como la Española o Portuguesa: La colonización Puritana o Mayfloweriana no viene de parte de un rey o de un ser terrenal colmado de poder; no se viene a colonizar en nombre de ningún poder pedestre; este viaje es de huída, de cortar todo hilo con lo Viejo y comenzar o recomenzar lo Nuevo. En consecuencia, el afloramiento de gente, comunidades, poblaciones, villorrios, villas y ciudades se dará en un orden alterado: ningún colono que llega a América viene a nombrar y crear una ciudad en nombre de su Majestad: las ciudades serán resultado de años de lucha por tratar de organizarse. El colono se queda donde la tierra entregue fruto, porque el trabajo le enseña algo que es en sí, demasiado; sólo el que sea fructífero en su labor será reconocido como el elegido de Dios. Si uno se cuestiona el porqué de la valorización extrema, singular, y acaso obsesiva del Norteamericano por el trabajo y, más que eso, porque el trabajo sea exitoso, que rinda como jamás se imaginó que rendiría, pues, bueno, acá hay un atisbo de respuesta.

La próxima entrega tratará acerca de cómo estos recién llegados empezaron a asentar cabeza en este Nuevo y Extraño Mundo.

Electrelane; en busca del más potente minimalismo

2007-07-24T16:55:00.000-07:00

Quiero empezar diciendo que dejé de enemistarse con este particular enjambre de muchachas enarbolando sus instrumentos eléctricos al, lenta y profundamente, llegar a la revelación de su música; esa masa sonora interminable y siempre proclive a caer en un abismo de velocidad eufónica.
Provenientes de Brighton, Inglaterra, Electrelane es un cuarteto de bajo, guitarra, batería y teclado. Pongo el teclado al final porque es, sin duda, el elemento que va creando la catarsis en las largas, pegadas, y dinámicas composiciones de estas chicas.

La larga travesía comienza con "Rock it to the Moon" (2001), siendo un disco difícil de digerir, por sus escapadas a algo que no me atrevo a denominar "experimental" -hasta tiene su tema con alusión a la gran canción instrumental "Pop Corn"- , pero sí tiene algo de minimalista, aunque estas etiquetas parecen pegadas a la fuerza; y también es menester decir que la balanza no queda bien puesta en este debut. Sin embargo, con "The Power Out" (2004) se define rápidamente para dónde se encamina la banda: temas más cortos, más potentes, logrando concentrar la píldora efectiva que es Electrelane. Con su gran empezada en "Gone Under Sea" (Aaaaaave Maríaaa), o las revoluciones más bajas con "Birds" o "Enter Laughing" es un álbum que ya las deja en la vía correcta para despegar. De "Axes" (2005) no comento pues aún no le he hincado el diente, pero "No Shouts, No Calls" (2007) es maravilloso, al pulir ciertas cosas que estaban muy crudas y no matizadas en "The Power is Out". Electrelane es marca registrada: su órgano interminable, esas vocalizaciones lánguidas y eternas, esos chillidos susurrantes, esas guitarras buscando salidas melódicas. Es algo para escuchar y dejarse llevar en esa corriente contínua y elegante que van hilvanando en cada nota, esas ganas de disfrutar más del viaje que de la llegada. Ah! importante es también un álbum de lados B y singles, que van mostrando fractales sonoros de sus composiciones originales y caminos perdidos de otras composiciones.

Joakim, Joakim, Joakim y sus tontas canciones

2007-07-19T11:31:00.000-07:00

Joakim Bouaziz, el Parisino detrás de todo este cochambre, es un tipo muy particular. Partió tocando jazz, hip-hop y un poco de indie en los '90s, pero eso no es lo que nos atañe.

Joakim en pleno 2006 dió vida a este particular y detonante álbum llamado "Monsters and silly songs": formó la Ectoplasmic band para este disco. El resultado es un híbrido insolente y potente que se pasea desde la electrónica a-la-Aphex Twin -aunque sin la violencia de éste, sino unos matices de hastío, de reviente, unos sonidos que le dibujan la cara- hasta ese rock tan pegado y súper pop que se deja entrever bastante en estos tiempos.

Las canciones son poderosas, minimalistas y pegadas; creadas para poner capas y capas de efectos que se van desarrollando hasta crear un efecto summum con ello. Para eso están "I Wish you come here", la insoportablemente buena "Lonely Hearts", o "Rocket Pearl" que puede descolocar con sus cambios abruptos y dinámicos. Para probar sus elementos experimentales, "Three legged lantern" con sus 7 minutos de sonidos electrónicos, o sobre todo "Drumtrax" que busca y rebusca hasta dar con la melodía soñada, son composiciones que asombran y liberan de la clásica manera de ver la electrónica: fuera la cachantun, el éxtasis y la pista de baile; acá hay búsqueda y camino por caminar.

El disco se pasea por todos lados con su soltura y gusto; es elegante y sabe separar la basura de lo anecdótico. Tiene sus cosas "de-relleno" como todo; pero la balanza declina siempre por lo espectacular. Joakim es otro de esos galos lúdicos y geniales, pero que ya está lejos de tomar el acordeón y tomarse la copa de vino. Esto es el 2010 de la torre Eiffel.

¿Es Joy Division la banda de mayor influencia en nuestros días?

2007-07-15T16:43:00.000-07:00

A raíz de dar con una gran banda de estos años (The Organ), es menester realizarse la pregunta que titula este artículo. Si Ian Curtis y sus esbirros dieron, entonces, lugar al sonido más plagiado durante el comienzo del siglo XXI, ¿cuál sería la relación entre el post-punk de Joy Division y los tiempos de ahora?
Y si fueron ellos, ¿qué queda para Bauhaus, Josef K, The Sound, Magazine, o la misma Siouxie & the Banshees? Talvés, y sólo talvés, las bandas mentadas anteriormente trabajan una violencia y un arrojo que en Joy Division sólo fueron desolación.
Pero es cuando menos intrigante, saber que son ellos y no otros los que han creado mella en las bandas de hoy por hoy. Y que sus guitarras, su voz profunda, y su batería seca y cortante son lo que define a estos músicos de esta era.
No debería ser aburrido escuchar muchas perspectivas y visiones de un disco enorme como "Unknown Pleasures", ¿o si? En fin, siempre será mejor que sea Joy Division a Bryan Adams o Backstreet Boys, de seguro.

"My Melody": de los políglotas Stereo Total

2007-06-29T17:05:00.000-07:00

Este dúo se lanza desde Berlín a entregar su verborreico y musical proyecto. Y si, a primera oída con "Beautycase" uno estaría de acuerdo con sus letras en alemán-por lo de Berlín, obvio-, el siguiente tema, excelente tema: "I Love You, Ono" nos trae inglés con un dejo de acento francés. Incluso el coro y el título guardan un dejo de infantilismo en su juego de palabras ("te amo, Ono" como, podría ser, Yoko Ono, o "te amo, ¿o no?"). Lenta y efectivamente las tres lenguas que se despiden de la creativa máquina pop de Stereo Total van ambientando su rico desenfado pop: Alemán, Francés e Inglés.

Esta conjunción es altamente deliciosa ya que pareciera que los temas se adaptan climáticamente a estos idiomas; una balada extravagante como "Larmes Toxiques" nos es entregada en lengua gala, mientras cosas más rápidas son presa germana como "Ich Liebe Dich, Alexander", con sus quiebres cortos y sus suspiros delicados.

Tras haber escuchado otros trabajos de este singular dúo, me he quedado con este trabajo de 1999 principalmente porque me sigue pareciendo el menos homogéneo: no es que los demás álbumes no guarden un polen apreciable, pero se parecen endulzar en demasía con ciertos guiños electro-pop que terminan siendo menospreciados. Stereo Total, de cualquier forma, es un fenómeno, algo como varias sensaciones en un sólo tema. Como estar a la espera, nervioso casi, de volverte a aburrir.

my little airport: de Hong Kong a Indielandia

2007-06-28T21:49:00.000-07:00

Ocurre que, de cada tanto en tanto, ciertos elementos musicales propios o, mejor dicho, comunes de cierto sector geográfico-cultural viajan misteriosamente a otras latitudes y otros meridianos. Al ser re-procesados, estos elementos parecen ecos lejanos de algo que alguna vez se conoció, pero ahora se escuchan misteriosos y desconocidos, como un lugar que tú has visitado una vez y, cuando regresas, está cubierto por la niebla.

Cuando una banda como "my little airport" nace en pleno Hong Kong (ese neo-monstruo-policultural) y hace dos álbumes como "the ok thing to do on sunday afternoon is to toddle in the zoo" (2004) y, 2 años después, "because i was too nervous at that time" y uno, atrevido casi, se allega a estas canciones tan delicadas, sutiles, tan pop, y, por cierto tan frágiles como pompas de jabón, es menester volver la cara hacia el Oriente que tanto tiene que enseñar a unos desbocados Occidentales como nosotros. Es decir, si hasta los "grandes" logros armónicos y melódicos de nuestra parte del mundo vuelven devueltos de esta manera al ser captados por estas mentes geniales de gente pequeña y hermosa, algo está ocurriendo; o la globalización nos está contaminando de una forma tan nueva que es mejor dejar esto para futuras generaciones, o, definitivamente las culturas cruzadas serán la última salvación humana-hago la salvedad de que hablo sólo en términos musicales.

My Little Airport es un bandazo, la forma que tienen de aceptar el pop, de cuajarlo como un ingrediente delicado, como una especia traída de Occidente, deja con ganas de hacerles la venia correspondiente y de decirles que sí, que por favor vengan a tocar muy tarde en la noche a una fiesta que nunca dejará de ser aburrida, para poder (por fin) pensar que la única compañía es siempre, la música.

Natural Ingredients de Luscious Jackson, o el comienzo de un baile

2007-05-13T18:49:00.000-07:00

Año 1994, un cuarteto de chicas Neoyorquinas da vida a estos ingredientes naturales que causarían estragos años después. A esa extraña mezcla de rock alternativo, y mucha cosa bailable; como el disco, la electrónica, el hip-hop, el funk, el jazz y cuanto pastiche muy moderno se mezcle en este ecléctico grupo.

Apadrinadas por Beastie Boys, estas chicas dieron rienda suelta a su pastiche sonoro. ¿El resultado? Pues "Natural Ingredients" (1994). Grandes en la ejecución, le dieron vida a una mixtura que, ya entrado el siglo XXI, está creando su propia veta, con gente como Cansei de Ser Sexy.

Una de las cosas más geniales del disco, es que tiene un muchacho hablando y dictando el comienzo del primer y el segundo lado del cassette. Al escucharlo en un cd se siente como que el soporte ha abandonado la idea original. Más allá del formato, "Natural Ingredients" es un disco que, al entrar, se queda ahí entregando ritmo cansino, melodías melosas, y buenos arreglos de parte de estas chicas. Un verdadero tesoro oculto noventero.

Yann Tiersen Vs. Yann Tiersen: Concierto en Santiago

2007-04-14T08:31:00.000-07:00

Un jueves de Abril del año en curso, una larga fila para ver a uno de los músicos galos más importantes de los últimos tiempos: Yann Tiersen en Santiago, Chile.
Se sabía, de oídas casi, que el cabro ya no estaba en su clásica etapa de acordeón, piano y violín, sino que (osadía!) esgrimiendo una guitarra eléctrica. Con esa idea en la cabeza partí al recital. Y debo admitir que lo que fue presenciado fue mucho, muchísimo más que eso: Yann Tiersen debe ser una de las mejores bandas de rock contemporáneo francés, mucho feedback, mucha guitarra minimalista, mucha melodía enfrascada y, eternas, sublimes y poderosas, las notas de las Ondas Martenot poniendo el colchón necesario para no olvidar que estábamos en presencia de melodías. Incluso el violín era tragado por esta necesidad de volcar todo el arsenal de ruido posible, como si las notas fueran a extinguirse si no se tocaban desesperadas y poseídas.
Para muchos, creo, esto fue bastante shockeante; probablemente muchos esperaban la banda sonora de Ameliè Poulain. Pero Yann Tiersen estaba en contra de Yann Tiersen. Eso quedó más que claro en su versión del Vals de Ameliè: Potente, rockero, visceral, donde sólo se hacía reconocible gracias a la melodía bien cobijada por la Ondista.
Para mi, Yann Tiersen fue My Bloody Valentine, Sonic Youth, Joy Division -incluso versionó "All We Ever Wanted Was Everything" de Bauhaus. Es un tipo que está haciendo rock y muy buen rock. Y cuando vuelve a sus primeros pasos, lo hace con nostalgia pero también con un dejo de sarcasmo. Si vuelve o no a sus primeras andanzas, sólo él y el tiempo lo dirán, a mi me gustan ambas, como un buen y espectral todo.
Si quieren ver videos, vayan a YouTube; si quieren ver fotos, véanlas en Super45 o Google, no andaba con cámara.

Compartir música, grabarte algo, mandarte una canción a tu correo...

2007-04-09T17:10:00.000-07:00

Un personal estéreo es una contradicción; pero, como en nuestra vida se da eso de andar con las contradicciones, se deja pasar como quién ve tirar basura desde una micro o que te muestren imágenes sangrientas en la tele mientras se almuerza.
La música, al contrario que muchas propiedades, está hecha (un industrioso diría "diseñada") para ser compartida: subimos el volumen para que los demás escuchen, conversamos con desconocidos sólo por tener afines gustos musicales, aplaudimos en una masa anónima el ritual de escuchar lo que queremos oír; prestamos, regalamos, y nos son robados -o prestados "sin posible vuelta"- una cantidad no despreciable de música sólo para que el sendero se abra más y más: es un acto comunicativo sin palabras que, porque nos hace sentir tan bien, lo hechamos a perder hablando de ello. Lo traemos a colación, lo hablamos desde muchos ángulos para seguir diciendo que nos gusta, que nos atrae, y que, se puede decir, nos crea un ápice de bondad. Porque, se quiera o no, compartir, regalar y prestar son acciones que van quedando lejos, guardadas polvosamente en un maletín con clave.
Por eso es triste (por no decir absurdo) que exista gente que no preste su música, que no se la copie a otros, que desdeñe de bandas o compositores cuando llegan a un grado de popularidad. Emulando a ese gran tipo que es Armando Uribe; ¡¡Qué fea metáfora!!, porque hay pocas cosas más bonitas que estar con un montón de gente que probablemente nunca más vuelva a juntarse y estén en el ritual de la música disfrutando, codo a codo -o bien, silla a silla- en una unión extraña y emotiva que sólo pasa cuando se está en ese raro goce de sentirte bien con los demás y que se comparte algo en serio. Eso inefable que hace, que tiene, que despierta la música y que nos deja tan felices.

Mercury Rev y esos recordados primeros álbumes

2007-03-31T12:30:00.000-07:00

Gracias a la recuperación digital de ese preciado debut que es "Yerself is Steam"(1991), me veo en la nobleza de comentar los 3 mejores álbumes de esta banda que cada vez se pierde más y más en derroteros que no le corresponden...

Primero; Mercury Rev en sus comienzos era este colectivo o congregación sonora, improvisadora y caótica. Un sexteto entre vientos (sobre todo la transversal flauta de Suzanne Thorpe), altos niveles de volumen, melodías agradables, y mucha, exagerada sicodelia. Poco control del tiempo, las canciones durando más de 10 minutos generalmente. Pero los logros conseguidos por esa brutalidad primigenia, ese viaje sin retorno que eran esas composiciones, eran -y son- absolutamente deliciosas y disfrutables. Y si "Yerself is Steam" era la primera piedra, ya con "Boces"(1993) se lanzan en picada a un fractal sonoro: desde la infinita búsqueda sonora de "Snorry Mouth", hasta momentos frescos, cortos, lúcidos y fragantes como "Bronx Cheer" o "Trickle Down". De todas maneras, no se alejan demasiado del sendero trazado por su debut, pero la ornamentación creada a través de él, es majestuosamente superior.

Finalmente, el cierre de esta portentosa trilogía será "See You on the Other Side"(1995), un álbum más compuesto y sobrio. Sin embargo, la mezcla entre su aún latente etapa de lujuria experimental y esta segunda más avocada al pop, produce un híbrido excelente: desde su inicio con la mecha de "Empire State" (con esa gran, gran entrada de vientos) hasta canciones dulces pero intrigantes como "Everlasting Arm" o "Racing the Tide" el disco es, sencillamente, emocionante.

Es una lástima que Mercury Rev haya perdido el norte después de esto; algunos chispazos se pueden ver en temas como "Tides of the Moon" o "Goddess on the Hiway"; pero, todo sea dicho, nada queda de ese Mercury Rev invocando la perdición sonora encabezada por melodías gentiles. Sólo queda seguir reproduciendo este tríptico hasta el agotamiento.

Los Tontos por Los Tontos

2007-03-21T11:34:00.000-07:00

Y vamos removiendo más recuerdos: segunda mitad de los '80s, entre el pillarse, el Atari 800, los monos animados, y el colegio, se mezclaban confuzas melodías cantadas en nuestro idioma. Algunas de ellas se quedaron marcadas más que por su melodía, por palabras captadas a veces ("mierda buena onda", primera vez que uno escuchaba un garabato en una canción); otra trataba de una historia de un water perdido que la persona buscaba sin dar con él y que le recordaba y que ya "le sobraba el papel".

Tiempo después supe que esa canción era "Mi watercló azul (ayer se me perdió)" -con posible alusión al Unicornio Azul de Silvio Rodríguez- y que sus intérpretes eran Los Tontos, trío uruguayo que estaban en la misma línea de la movida ochentera española (Siniestro Total, Ilegales, etc.)

Y volver a escuchar este álbum es entretenido; estas canciones no pierden frescura y se mantienen con su absurdo intacto y aún dan esa sonrisa no forzada. "La Gordita 103", "El Gerontocida", "Pásame la escoba", o "Conoce ud. a Cuko" son algunas de las joyitas que posee este debut. Un rock rápido, suave, proto-punk, y con un logrado absurdo (esas baterías electrónicas tan ochenteras!). No es para nada una maravilla musical, pero es algo que se tiene con cariño de gente que quería reírse un rato y, de paso, ver si alguien se reía con ellos.

Vincent Gallo: When & Recordings of Music for Film

2007-03-17T11:31:00.000-07:00

Vuelta a otra anécdota: Otro de aquéllos cassettes que se dejaban grabar un verano cualquiera, un poco de fresco gracias a la aparición de la noche, y algo que escuchar en la señal transmisora de la radio. Unas tristes notas de guitarra acústica acompañadas de una voz desvanecida, a veces unas melodías breves de teclado; mi primera aproximación a un personaje muy imbuído en el cine que es Vincent Gallo, que, para mayor ego, crea también la música de sus obras que actúa.

Aunque, cabe añadir, lanza un álbum como "When" (2001) que es una bella alfombra de canciones que se deslizan sin prisa, ninguna apura a la otra, sino que se apuntan en la lista y esperan, esperan, hasta que el silencio las hace salir. Y, con la misma parsimonia, van, cansino paso, a encontrarse con uno.

Y "Recordings of Music for Film" (2002) es, justamente, eso: un compilado, un mezclado de distintas composiciones para películas, aunque aparecen, de tanto en tanto, aquellas canciones tan bonitas de Gallo.

Vincent Gallo, queda claro, no viene a alegrar a nadie. Ni viene a dar una vuelta de tuerca a la oxidada, desvencijada maquinaria de la música contemporánea. Ni siquiera a crear bandas sonoras originales. Muchas bandas de hoy están en la búsqueda de este neo-neo-folk minimalista y desacelerado. Pero se agradece que ésa sea la búsqueda y no, e.g., clones del metal ochentero, por decir alguna cosa. Sin ánimo de ofender al metal ochentero. No, olvídenlo. Es con ese ánimo.

SuperSordo, mal epitafio

2007-03-06T11:12:00.000-08:00

Sí, lo sé; se ha hablado casi en demasía de ellos, se ha dicho de todo y, sin embargo, siguen atrayendo nuevos adeptos; ¿qué diablos pasa con ellos que despiertan nuevas ganas de escucharlos, de entrar en ese sonoro decibélico? No soy el más indicado para responder, pero, de cualquier manera, y a raíz de dar con unas más que aceptables versiones de ellos de su debut y segundo disco, me doy la gratuidad de aportar otro grano más.

Supersordo fue (es), antes que nada, una banda chilena. Con eso se entienden ciertas cosas como precariedad sonora, y una incisiva mezcla de cultura expropiada y originaria. Y ese pastiche se siente en su debut (vapuleado hasta por sus mismos integrantes) "Supersórdido" (ca. 1992): un álbum de principios de los '90s en Chile, medio hardcore, medio punk, medio fuerte, medio sicodélico, medio noise, medio chileno, medio a medio entre el vacío de una escena que no estaba contando nada. Pero Supersordo era (es) ante todo, original; cuando nadie haría algo como Supersordo, ellos fueron y lo hicieron, sin tranzar, sin apoyarse en nada, sin transgresiones, pero, por lo mismo, absolutamente quiebra-esquemas, abriendo la primera gran fisura de los '90s. Esa fisura que venía abriendo gente como los KK Urbana, Caos, o, más cercanos a los mismos Supersordo, Fiskales Ad-Hok.

Pero Supersordo es otra cosa, está en esa escena, pero no guarda relación alguna con ella. Supersordo es algo hermético. Como me contaba un conocido que tuvo la oportunidad de verlos en vivo algunas veces; "los punkies no los vacilaban, pero los miraban intrigados, tratando de entender qué era eso, igual se vacilaban 'Ismo'".

"TZZZZZZT"(1995) los trae de vuelta absolutamente ejercitados. Ya con "21", se demuestra claramente que estamos en frente de una banda con lengua propia, una lengua disléxica, aprendida a la fuerza, con ganas de morder el cordón umbilical. Sus miembros comentan que el sonido quedó demasiado metálico para su gusto. Pero es, lejos, una obra potente y segura, cada paso que da, parece crearse una mole más y más grande.

Después de su muerte -no muy natural por cierto- se logró dar con un buen registro en vivo de ellos, naciendo "Un Ruido Inmenso de Rock", póstumo, pero que dejaba absolutamente claro que la banda iba a algo, un algo monumental. "Autogol" lo deja muy claro, tanto en su lírica ("De cualquier manera, ella, rucia, nos mira, desde lejos esta tarde, hirviente, no le gusta el ruido, definitivamente") y su música, llena de quiebres rítmicos, de atmósferas densas y complicadas; llenas de un mensaje intramusical. "Bazuca" o "Sopita de Sobre", escogidas casi el azar, también dan cuenta del gran momento por el que iban viajando. Pero en fin, a algunas bandas les toca así, no hay nada que hacer. ¿Una de las mejores bandas chilenas? ¿Y Electrodomésticos? ¿Y...?

Unsung Colony por Norfolk & Western (2006)

2007-03-01T14:15:00.000-08:00

Cuando ya me decidía absolutamente por el 2006 como un año con grandiosas novedades musicales, me remata este increíble L.P. de Norfolk & Western. Y es que su partida con "The Longest Stare" es tan especial, brillante, delicada y, a ratos, fuerte y segura, que uno queda abolutamente embelesado con su música, tan de atardecer, pero sin olvidar que hay frustración, que es la misma que siempre termina desembocando en la música a falta de un mejor vehículo. Y el disco suma y sigue, lleno siempre de arreglos, detalles frágiles, cuerdas raspadas en su justo momento, y, por qué no, su buena dosis de ruido sin concesiones cuando se les ocurra, porque este disco no se queda en los límites de la buena canción, sino que va buscando más allá, va re-armando las grandiosas melodías con ganas de estatizar que hay algo más, que el pop empalaga y que es necesario aderezarle algo agri-dulce, un dejo inquieto de sonoridades con sabor a angustia. Por cierto que después de "The Longest...", viene "The Shortest Stare" a calmar las cosas, y así suceden estas hermosas piezas musicales, aclarando lo que pasó y lo que vendrá. Atención con los finales de los temas, siempre dejan un extraño sentimiento de que algo ocurrió.

A pesar que la mayoría del álbum es en tono menor, hay ciertos momentos como la supersónica "The New Rise of Labor", o la muy bien titulada "Banish All Rock" que demuestran que los muchachos tambíen están para subir el volumen. Al abrir y cerrar con el mismo tema (versionado especialmente para uno y otro) da la sensación de álbum conceptual. Pero no es como para asustar a nadie.

The Smiths: The Troy Tate Sessions

2007-02-25T07:11:00.000-08:00

Cuenta la leyenda que antes de poner en cinta ese puñado de canciones que daría vida a "The Smiths" (1983), Stephen Patrick Morrissey y sus esbirros grabaron con un tal Troy Tate durante el mismo año. Frustrados por el sonido conseguido, se marcharon a otros lares a buscar uno más limpio y pulcro. Esas cintas quedaron ahí, en espera de que algo ocurriera. Y cómo no, la internet, ese ente nostálgico, vendría a poner las cosas en claro y darnos una mirada "alternativa" al ya alternativo debut de una de las bandas arquetípicas de los vapuleados, ignominiados y adorados '80s.

Escuchar esta versión de "The Smiths" es novedoso: las guitarras suenan nuevas, como estar en un ensayo con ellos, el bajo suena más suelto, los platillos suenan a demo, la voz de Morrissey está menos filtrada, algunas intros son diferentes. Y, por supuesto, la inclusión de dos canciones como "Wonderful Woman" (en una versión donde la letra es un poco más entendible que en su versión en single) y "Jeanne", le hacen un imperdible, un necesario para aquéllos que pasan, pasaron y pasarán los días sombríos escuchando a un grupo de muchachos que estaban acostumbrados a la lluvia, al frío, la soledad y la mano dura de Margaret Thatcher. Casi unos chilenos diría yo.

Low in Europe: Lo que la música hace al hombre

2007-02-12T08:04:00.000-08:00

Sí, la música cansa, y tocarla cansa aún más, y tocarla por semanas, meses y años debe ser absolutamente desgastante. Este documental acerca de Low en Europa (específicamente Alemania), que intenta, creo yo, mostrar una banda en un universo propio, al filo de vender y mantenerse en su propio lenguaje original, se vuelca hacia otro lugar, reconocible pero siempre novedoso: el hastío de estar en la música. No de la música en sí, eso queda claro cuando vemos a los integrantes de la banda haciendo lo que más les gusta y que, por cierto, mejor saben hacer: tocar y cantar. Me refiero a esos desagradables momentos que rigen lo que ocurre entre no tocar y antes de tocar. Ese desgaste del tiempo en habitaciones cerradas, ese ir y venir de hoteles, ese ajetreo eterno de viaje sin fin. Eso queda transparente en las caras de los tres integrantes. La única que no parece dar con ello es esa pequeña y grácil criatura llamada Hollie, la hija de la pareja de Low. Pero se advierte en su silencio aprendido, en su cara de soledad, que algo ya se le ha transmitido de sus creativos padres.

Low in Europe es un acto fallido, un recital a medias, un documental parecido a un documental; pero también es rescatable lo crucial que se arranca de estar en la música: el precio que se paga es poderoso, y que se vive solamente para ese tremendo, absoluto momento de conjunción entre instrumentos y sonidos. Pero lo que queda antes y después es un vacío, una vacuidad tan enorme, que nada puede llenarlo y la vida se muestra tal cual es para los que han dado con la música como ancla: plana, carente de brillo y magia, estancada en la superficialidad evidente. Por eso la espera es urgente de volver a colgarse los instrumentos para tocar, escapar, adentrarse en los sonidos, que son la vía de escape del que ya ha optado definitivamente por no volver de la música, como el remedos, que mejora y mata al mismo tiempo.

Concierto de audición para cátedra de órgano: Un fiasco

2007-01-30T16:54:00.000-08:00

El órgano y, sobre todo, el órgano "de Iglesia" es, sin ninguna duda, un instrumento llamado a ser majestuoso. Desde su complejidad -sincronizar manos y pies-, hasta su estructura misma -esos tubos gigantes ornamentados con teclados grandes y diminutos- es un ente que despierta reverencia.

Atrapado por ese sentimiento muy razonable, me dispuse a visitar una hermosa iglesia capitalina para dar a mi sentido auditivo una clase de buen gusto. Se prometía J.S. Bach (¿quién si no para una obra para órgano?), algo de Telemann, Pachelbel, Zipoli, y cerraba este concierto el maestro para el que se audicionaba con un compositor, para mí desconocido, llamado Fletcher.

Tremenda, terrible fue mi decepción: los dos primeros postulantes ni siquiera parecían tener alguna noción rítmica, y, lo que fue peor, mantener en alto al menos la línea melódica principal (todos sabemos que el contrapunto barroco, bla, bla, bla; no nos vamos a poner a vernos la suerte entre gitanos). No pude determinar si era gente muy joven (difícil distinguir a alguien entre ese bello armatoste de tubos), o era gente de una patudez extrema, porque la situación bien parecía de esas clases de teclado Yamaha siguiendo el demo que poseen en su programa.

Al final, pensé que el maestro saldría del embrollo con alguna obra que nos sacara el amargo gusto de boca; en vez de ello, pareció dar cátedra de mal gusto y pirotecnia con un sinnúmero de acordes potentes y largos para una "toccata" que, en mi humilde parecer, no aportó nada ni supo entregar lo delicado y maravilloso de ese grandioso instrumento.

Una pena absoluta; lo raro es que la gente siempre aplaude, como si fuera una convención que porque alguien termina de tocar, hay que aplaudir. Sin siquiera cuestionarse si gustó o no. No puedo darme esas gratuidades.

Royal de Luxe en Santiago; diagnóstico al verano capitalino

2007-01-28T12:00:00.000-08:00

Aclaremos: el verano en Santiago es lo más cercano a, digamos, inyectarse aire en una vena. Y segundo: sé que esto sería una columna de música, pero uno es humano, y no hay nada más humano que la disgresión.

La compañía Royal de Luxe viene de tanto en tanto a la capital de Chile, alguna razón puede ser la extraordinaria convocatoria que tiene siempre.

En fin, lo que ha acontecido estos días en santiago es lo más cercano a juntar un poco de todo de lo que puede denominarse una espectáculo a gran escala: histeria colectiva, desórden público, robos, niños perdidos, comercio ambulante, y para qué seguir. Pero lo medular, e intrigante, es que esta compañía ha sabido generar hordas (multitudinarias hordas) de gente que desea verlos, ocupando un artificio tan antiguo como la narración oral: las marionetas, artefactos dotados de "falacia patética", convertidos en seres dotados de vida. ¿Qué es lo mágico?, simplemente, todo: uno llega a olvidar que hay gente detrás de estas cuerdas, embelesado, obnuvilado por la magnífica manera de mimetizarse de estas marionetas con nosotros. Espejos pequeños o grandes (como en este caso) de nosotros, todos jugando a vernos en el ideal de una historia mágica, de un cuento que, de tan fantástico, se vuelve lo que se repite siempre de una buena narración, la hija mimada del mito. La gota de imaginación que permite seguir soportando su enfrentamiento con la convención.

Y claro que es una locura ver tanta fascinación mezclada de forma cruda con llantos de niños buscando, personas con ataques de pánico y agorafobia, discusiones por el espacio, por el calor, por la imposibilidad de llegar a un buen sitio de observación. Pero también nos lleva a la idea de que la gente aún quiere entretenerse, aún quiere maravillarse, aún le ocurre algo con cierta magia perdida entre bites y cuentas corrientes. Algo así como un atardecer con marionetas gigantes con un telón de fondo que espera no volver a ser bombardeado.

Acontecimiento plañidero de belleza...

2007-01-26T10:55:00.000-08:00

Acontecimiento plañidero de belleza; salir más temprano del trabajo, irse caminando a la casa, recibir un mensaje del ser amado, contar 23 gatos en el camino, despreciar el verano pero querer la luz del sol, e ir escuchando sigiloso pero contínuo a este proyecto llamado Guther y su álbum "Sundet" (2006).

Julie Guther y Berend Intelmann dan vida a este dúo. Anteriormente registraron "I Know You Know" (2003), de factura parecida pero este "Sundet" parece llevarse las palmas por esa incursión absoluta por el pop sin temor a diluírse entre tanta bonita melodía. Guther sabe correr entre flautas, sonidos electrónicos, guitarras distorsionadas y una larga amalgama sonora. Especial atención a su dinámica, a esa manera de pisar el acelerador de manera precisa y volver a esa velocidad casi neutra que se agradece entre tanto día de despertador lacónico y anticlimático.

The Notwist: Al fin!!!!! (o en fin...)

2007-01-25T11:52:00.000-08:00

Anécdota proto-real: Pleno 2003 (qué lejano se vé ahora), en mi ocio porteño me decidí a grabar ciertos programas de esa radio mal llamada de culto que es la Valentín Letelier (97.3 f.m. estereo en Valparaíso). En una de esas dejé grabando mientras iba y volvía, en esas vueltas que uno sabe cuando se va, pero no cuando vuelve. Al volver, revisé la cinta y estaban varios temas de una banda que ahora diría, suelto de cuerpo, indietrónico: pero en esos tiempos no sabría clasificar. Y vaya que gustaba de esos temas. El tiempo pasó y reconocí ese estilo en una banda de la cual ya he comentado llamada "The Postal Service". y me refugié en la idea que esos temas les pertenecían, pero no daba con ellos. Opté por pensar que pertenecían a un E.P. o single que nunca escucharía.

Gigante fue mi sorpresa mientras buscaba gente afín entre Cat Power y LaliPuna al dar con The Notwist; el nombre incluso sonaba a esas asquerosas, vomitivas bandas de ahora que gustan de ese sonido metalero. Pero me arriesgué por ello; -nota al margen: confié en el título de una canción llamada "Pick up the Phone", que solía ir en el estribillo de estos temas perdidos en el cassette-

Qué glorioso momento fue volver a escucharlos y saber que esa banda si tenía nombre, y que éste era The Notwist.

Son unos alemanes (Münich) que se aplicaban al Hardcore, pero oh! sorpresa, se pasaron a la indietrónica y a un pop elaborado. Este álbum "Neon Golden"(2003), es bastante bueno; aunque peco con esta nostalgia amnésica y no sé si atribuirlo a ello o es que realmente son un gran grupo. Y en realidad, no me importa. Qué bonito es The Notwist. Qué bonito es volver a encontrarse con cosas bellas que se creían perdidas. Los que gusten de caminar me entenderán.

Contriva: En la etérea atmósfera del pop

2007-01-17T08:11:00.000-08:00

Este cuarteto de Berlín es lo que uno quizo, deseó dejarse hacer por la música; ese aire hondo dentro del pop, lo ambiental y la experimentación. Y da pena casi, que sólo tengan dos álbumes y un compilatorio, siendo que nos vienen con sus dádivas sonoras desde mediados de los '90s. Contriva es caleidóscopico pero directo hacia el oído: se forma, reforma y deforma gracias a sonoridades siempre envueltas en esa sutil, dulce y ajustada guitarra(s).

Escucharlo no daña, sino que tiene esa comunicación directa y gentil hacia algo en común que no se reconoce razonablemente pero que se deja entrar como alguien de rostro familiar. Y su melosa, entrañable voz habla armoniosa de cosas que se están dejando perder y que gustan de ser buscadas. Y son melodías de niñitos de hospital, de días enteros en el campo, de recoger piedritas en el sol.

"If you had stayed"(2003) y "Separate Chambers"(2006) son las neo-cajitas musicales de estos días. Un verdadero refugio para tanta mala música que sólo sabe aporrearse, golpearse a sí misma. Contriva sabe a algodón de azúcar.

Misterio Relámpago por Rosario Bléfari: ¿¿Y Esto??

2007-01-14T14:35:00.000-08:00

Cosas que aclaran otras: mientras juraba, a pie juntillas, que "Estaciones" (2004) era el nuevo disco de esta gran cantautora, ex-Suárez (qué maravilla de banda, talvés demasiado incomprendida en su época); no era sino este "Misterio Relámpago" (2006) el nuevo álbum de la susodicha. Y, como su título, desemboca en una luz cegadora, potente y oculta.

Y eso que comienza tan de pronto, exactamente como el título de la primera composición "Accidente". Y el trabajo se desarrolla así; rápido, sin pausas, vertiginoso, con ganas de decirlo todo de una vez. Como, justamente, en el tema "De una Vez" ("No vayamos más por partes/hagámoslo todo de una vez"). Hay guiños al rockabilly, al pop de bólido, a guitarras de punk lúdico e infante.

No por ello hay que pensar que nuestra Rosario dejó de lado su absoluta desilución y depresión: ahí están omnipresentes en "Cuaderno", o la misma "Accidente", "Desubicado" o "Tuya" ("Me desanimo fácilmente"). Claro, ya no están esas minimalistas baladas y todas las guitarras están siempre ahí, fuertes, ruidosas, y entrometidas; al parecer son las letras y, sobre todo, la forma de evocarlas lo que las devuelve a esa tristeza absoluta.

Decir que la Bléfari está bien, mal, que es pendejona, que ya perdió su "don", es ordinario. Es una muchacha que sabe esgrimir su guitarra y sacar esas canciones bien tejidas con letras que se agradecen en la soledad del alma. Dicen que actúa en aquellas películas de cine Argentino,mmmm, no he visto nada.

Gustav Klimt: Música en la Pintura

2007-01-09T06:39:00.000-08:00

¿Qué más decir?

Compil' Nouvelle Scene Francaise Feminine: Ou la-la!

2007-01-04T09:51:00.000-08:00

Escena: Pleno siglo XXI, Francia. Un puñado de mujeres pletóricas de ideas ingeniosas, siempre en el ámbito musical, se lanzan a los cuatro puntos cardinales a re-descubrir esa tan manoseada "música Francesa".
Este compilado -sin aparente fecha concreta, pero de este siglo- viene a demostrar que Francia vive en su propia esfera, o, al menos, en una globalización tenue. La cantidad de bandas y solistas que aparecen (Agnes Bihl, 90C, Jeanne Cherhal, Olivia Ruiz, Les Elles, Amélie-Les-Crayons, Clarika, entre otras) vienen en pos de esta "re-valorización y re-descubrimiento" de su música autóctona, folclórica, bohemia y llena de ritmos en 3/4 y acordeones.
El resultado es singular, poderoso y descollante de belleza. Prístino hasta el cansancio. Y uno, sin siquiera tener un básico nivel de Francés, disfruta hasta el paroxismo de esas vocalizaciones tan teatrales, histriónicas, de esas voces llenas de melodías tiernas, abruptas o escandalosas, pero siempre creativas hasta la médula.
Desconozco si es fácil o difícil de encontrar este compilado, pero de que va y viene en los clásicos programas de descarga, va y viene. Ahora, encontrarlo original, empacadito y con sobre mmmmh...
Chapeau! por esta gran escena femenina francesa; intentaré deshilvanarla en futuras entregas, sin prometer nada; prefiero llevarme por la "emoción del momento".

Pasado: The Shangri-Las

2007-01-03T09:15:00.000-08:00

Vaya!!! Cuánta agua ha pasado desde que perdí posibilidad de seguir con mi espacio de MSN, encontrar un espacio en Blogger, y volver a escribir ese puente entre el pasado y presente de la música de chicas-chiclosas. Incluso llegué a pensar en pasar de largo y poner en el tapete lo que me concierne ahora; pero nobleza obliga.
The Shangri-Las son este grupo de chicas sesenteras jugando entre melodías (ahora) añejas, entre juegos vocales y coros largos. Con ese guiño absoluto a los '50s, The Shangri-Las se mantiene bien, en el sentido que el Pop entusiasma y todo. Ahora hay también un pequeño dejo de experimentación; entre grabaciones de ruidos, citas a Chopin, monólogos, etc. Y una pequeña declaración feminista.
Al menos, dan ganas de mover los pies... en honor a la verdad, ya estoy tan imbuído en otras cosas, que re-revisar a The Shangri-Las es como ver fotos antiguas donde no sales.

Presente: The Pipettes

2007-01-03T08:22:00.000-08:00

Extrañamente me he visto envuelto en comentarios de música que se entrelazan, se complementan y (también) se miran con recelo o envidia. En este particular caso, veremos lo que ha acontecido con ese pop tan particular y alegre como el conformado por las bandas coreográficas de mujeres. De Brighton, Inglaterra; pleno siglo XXI emerge este trío de muchachas apelando al pop chicloso, sobrio, y, por sobre todo, altamente refrescante. "We are the Pipettes" es el nombre del debut y remite a esa gran camada de bandas de mujeres cantantes de los '60s, especialmente a The Shangri-Las que (sorpresa) serán nuestro tema de la próxima entrega.
The Pipettes es tan efectivo que sería de mal gusto criticarlas. Son tan rítmicas, tan compuestas, tan melodiosas que es menester deleitarse con tan buenas composiciones. Hay algunas que son peores que otras, y algunas muy más mejores que otras. Y en esa bipolaridad se compensan. Pero tiende a ser más homogéneo que esos compilados de bandas realizados con cualquier criterio.
Todo bien con The Pipettes. Alegran tardes.

3ª Entrega de bandas lentas: Low, el epítome

2007-01-03T08:18:00.000-08:00

Low, ah sí. Cómo no hablar de LA banda de este estilo. Minnesota, 1994; fecha y lugar del nacimiento de este trío. Gran trío. Hay un disco en particular que, personalmente, es eterno; "The Curtain Hits the Cast" (1996). Es cierto que es necesario advertir que su llegada al siglo XXI ha sido, como mínimo, cuestionable. Pero con habernos entregado álbumes como "I Could Live in Hope" o "Things We Lost in the Fire", es perdonable eso y mucho más. Low es "la" banda de estos parajes en cámara lenta. Hasta su respiración es meditabunda, casi moribunda.
Low es anti-rock, anti-contemporáneo, anti-apuro. Es una partícula etérea irguiendo sonidos que tardan una vida en morir. Debe ser, probablemente, la banda más original desde mediados de los '90s. Y es cosa de tiempo (como tiempo necesitaron, digamos, Pixies para ser la banda que influenció eras) para que se vea el verdadero estrago que esta forma de hacer música pueda ocasionar. Ya está Barzin para verificarlo. Monstruoso Low, conditio sine qua non de la música original.

2ª Entrega de bandas lentas: Barzin: Lento descenso al...

2007-01-03T08:16:00.000-08:00

Letanía es el tópico recurrente en Barzin H., maese de ceremonias de este genial proyecto de Toronto llamado, casualmente, Barzin. Las notas flotan despacio para entrar en el espacio; la voz se transparenta, las cuerdas son atizbos sonoros, todo desemboca en un profundo pozo de lentitud. La lámpara de aceite con la que se desciende a las profundidades de los tiempos.
Poniéndome más pedestre, hay 2 álbumes recorriendo esta esfera: "Barzin"(2003) y "My Life in Rooms"(2006). Ambos son parte de una misma concepción; pareciera que uno es el otro. Las canciones son lánguidas, desaceleradas y preciosas. Lo inteligente y excelso es que las letras acompañan la atmósfera creada. Algo no difícil de creer si sabemos que Barzin es amigo de esa pareja que conforma Low. Por cierto que hay un compartir esta visión lenta de la música; donde el silencio y la letanía espetan, conjuran mucho más que el ruido y el apuro.
Barzin es la espera, un reloj con malas baterías. Y se vuelve a la idea que el concepto de tiempo -desviado de su convención- se vuelve único, mágico. Algo que sin duda esta música intenta volcar.

1ª Entrega de bandas lentas: Beach House: En la playa en Otoño

2007-01-03T08:14:00.000-08:00

Este singular dúo (Alex Scally y Victoria Legrand) de Baltimore, Inglaterra es la imagen perfecta de una casa en la playa en pleño otoño: la bruma se apodera del lugar, la niebla vuelve imperceptibles las cosas, los sonidos se vuelven apagados y lejanos. Ellos suenan añejos, como el oporto o el ajenjo. Olviden la furia, el desengaño de esta época: en Beach House ni siquiera hay nostalgia, porque están en otra época; suenan a cualquier tiempo menos éste. Los órganos, teclados, baterías electrónicas, voces y guitarras se han teñido de una era donde todo vuelve a ocurrir. Una cajita de música con telarañas y todo.
Sucede con Beach House todo lo que no acontece con las bandas de hoy: la parsimonia, lo cansino se vuelve crucial; la piedra angular de la música: todo se despoja de su utilidad y de su apuro. Todo se trastoca y el tiempo vuelve a ser un ser de humo. Ha llegado el instante, el tiempo que rige el corazón.
Es difícil seguir tratando de poner en palabras lo que gatilla una banda como ésta. Es un imperdible y debe ser escuchado. Y esperanzarse de que sigan por esta vía; que una mala maniobra no les lleve a acelerar las cosas.

Imitation Piano Electric: Donde hubo fuego...

2007-01-03T08:12:00.000-08:00

La rama más poderosa que escapa de ese árbol que parece secarse llamado Stereolab es Imitation Piano Electric. Ideado por Simon Johns, el multi-intrumentista de la mentada banda, Imitation Piano Electric parece empezar donde Stereolab termina pero, a la vez, parece ir más atrás. Me explico, donde en Stereolab se vuelca el avant-garde, el pop sicodélico, el futurismo por llegar a algún concepto; Imitation Piano Electric despega con el rock espacial, las estructuras rítmicas, y porqué no decirlo, el rock progresivo. No se alarmen, no es algo que les haga mal. De hecho, Imitation Piano Electric parece haber dado en el clavo -un poco oxidado talvés- con el reemplazo de estilo. Y le juega bastante a favor. A ello sumémosle la angelical (y británica) voz de Mary Hampton. Lo del "Art rock" queda más que demostrado en "Relatively Good Times", que casi parece hit del '71. Pero en otras cosas como " I Mean Now", "For The Best", o la insuperable "Energy is Beautiful" se decanta por un pop tan exquisito y bien manufacturado, que es obvio caer embelesado.
Por cierto, sólo me he referido a su último álbum. Lo que haya acontecido antes (nacieron el 2001) es para mí un misterio.

Morphine: sí, Morphine

2007-01-03T08:10:00.000-08:00

No quiero entrar en el morboso asunto de las extrañas formas en cómo un grupazo como Morphine se ha vuelto de culto: por la muerte de su vocalista y bajista (Mark Sandman) en plena actuación en Roma (1999). Alguien pensará que esto fue sólo una paralepsis y claro, puede serlo.
Pero Morphine, ese trío absolutamente anacrónico, es mucho más que una funesta anécdota del rock; supo hacer música por la que nadie daría un centavo en los '90s en la América que abría sus brazos al rock deprimente y Seattlero. Pero ahí estaban ellos: Bajo de dos cuerdas, saxo barítono y batería; para decir que el blues, el rockabilly, en resumidas cuentas, el rock primitivo y sensual estaba re-viviendo en ellos.
Cuando uno escucha algo como "Honey White" -ese pedazo de canción que abre "Yes" (1995)- se abre una veta que parecía perdida entre tanta guitarra distorsionada: la bruma de un pinchazo de esta morfina; el espasmo plañidero de una canción triste y llena de ritmo; un golpe animal, de fin de fiesta, de Charlie Parker sudando Heroína.
No deseo pensar en el "qué hubiera pasado si aún...", Morphine es tremendo y aún suena tan bien cómo si hubieran sido de los '50s, '80s o de ahora.
Les dejo su discografía, es esencialmente buena, sobre todo la que realmente trabajaron como trío:
-Good (1992)
-Cure For Pain (1993)
-Yes (1995)
-Like Swimming (1997)
-The Night (2000)
-Bootleg Detroit (2000)

Joanna Newsom en Tesis y Antitesis

2007-01-03T08:08:00.000-08:00

Vuelvo a re-encontrarme con esta arpista; esta vez en dos facetas contradictorias, pero que dejan ese umbral abierto para darse cuenta que estamos ante una persona que está en la música para la música, no para otra cosa. Vamos, iniciemos por su faceta más reconocible: su segundo álbum como solista titulado Ys (2006) que es una Joanna Newsom convertida en una narradora poseída; las historias son largas al estilo de los poemas épicos, pero con la salvedad que sólo guardan esa similitud. No quiero ahondar en las verdaderas características de lo Épico. Pero estas largas historias, hermosamente decoradas con cuerdas, su arpa, y su característica voz hacen de este registro un imperdible, no hay composiciones que destacar: es un todo.
Ahora, vamos a su cara B: Joanna Newsom participó -o participa, quién sabe- en un trío llamado Nervous Cop que lanzó un álbum debut del mismo nombre el 2003. Y realmente es un giro radical a lo que esperamos de ella, o talvés el giro radical fue su etapa de cantante. No lo sé. Pero este trío es pura experimentación: hay batería, teclados, arpa y ruidos de diversa índole. A ratos parece una clínica de batería, a ratos una banda death metal, a ratos una composición tóxica de John Cage, y hay momentos donde Newsom queda sola con su arpa y son momentos sublimes, de belleza docta. No se sabe dónde realmente está Joanna Newsom, o todas son ella, pero me gusta como un todo.
De todos modos, escucharla cantar es mejor que 4 minutos de alguien tocando la batería ecualizada de una moderna manera.

Don't ever go -or listen to- Downtown

2007-01-03T08:07:00.000-08:00

Mis disculpas por el -again- gringazo; ocurre que reflexiono en la música que genera algo tan tóxico e inicuo como el centro de alguna ciudad. Aparte, todo esto, de la nocividad que posee per se, el centro de, por ejemplo, Santiago. Y es que esa majamama, ese pastiche sonoro que se produce en la columna vertebral misma del centro, léase lo adyacente a la plaza de Armas, es absolutamente pérfido, hostil y maligno. Tenemos las bandas evangélicas (rastrojos del Anabaptismo) sonando más decadentes con el mismo lo-fi. Metros más alla, la infal(r)ta(nte)ble banda de chinchineros auspiciando el robo de quienes quedan embobados; un muchacho, con pocas clases de violín en su cuerpo, le saca sonidos al susodicho en una apartada salida del subterráneo locomotivo. Súmenle a esto la, consabida, música del momento en parlantes añejos y saturados que crea una fiesta de la que nadie desea participar, obligada a sonar para matar al silencio que, de nacer, crea algo más inhóspito y horrible: el encuentro con la existencia misma, con el respirar de nuestro cuerpo, algo que nuestro sistema neoliberalista de mercado intenta tapar a toda costa.
La música del centro es violenta, pasajera, animal, pero, por sobre todo, sofisticada en el punto más primigenio de su concepción: es engañosa, va tapando, disimulando, envolviendo lo horrendo, horripilante y tétrico de un mundo que usa como excusa la música para velar el secreto de una vida obscura y llena de recovecos pútridos, lentamente conspirando con la sensibilidad de su hermana primigenia, saludable, prístina y loable que es la verdadera música; y no este engendro veleidoso y engañoso. Nunca escuchen al centro de una ciudad.

Mecano: 2° patita y fin

2007-01-03T08:05:00.000-08:00

Después de esta etapa inicial, pletórica de creatividad y de búsquda de identidad; Mecano parece sostenerse en el pilar de su propia música y se desarrolla desde ahí. En consecuencia, pierden la búsqueda en favor de una profesionalización de sus creaciones. Así pasarían los l.p.'s: "Descanso Dominical" y "Aidalai", sin casi contar ese recopilario y parasitario "Ana, José, Nacho". Es en estos álbumes que Mecano se vuelve un grupo serio, maduro, correcto, que lidia con su música folklórica, las orquestaciones, el minimalismo y un largo etc. con el que ganan respeto como músicos e intérpretes, pero pierden ese lado lúdico y absurdo que era definitivamente lo primordial de ellos. No es que estos álbumes sean malos, para nada -especialmente "Aidalai" y algunos álgidos momentos de "Descanso Dominical"- pero esa urgencia de demostrar que eran músicos serios, avocados a una tarea superior, les mata mucho su espontaneidad, su patanez. Vinieron a Santiago en esos tiempos ('92) y dieron un recital al cual asistí y fue más que interesante (bueno, talvés la adolescencia me impidió objetivisar). Su último esfuerzo es decadente y demuestra lo que hace el dinero: el esfuerzo es deprimente. Prefiero pensar en un Mecano que murió con "Aidalai". Sobre todo con una canción como "Naturaleza Muerta"; que es, lejos su mejor tema de esta etapa -sin contar "Quédate en Madrid", el tema más precioso de todos sus tiempos. Especial atención a los que han versionado temas de Mecano: hasta Celia Cruz y Julio Iglesias están en la lista.

Mecano: 1° Entrega o Etapa

2007-01-03T08:02:00.000-08:00

La primera -y más brillante- etapa de este trío español abarca desde 1981-82 hasta 1986 con su compilado "Lo último de Mecano". Es brillante, porque tanto la música creada por los hermanos Cano, como las temáticas envueltas en sus canciones son tan extravagantes como hermosas. Como ejemplos tenemos un tema obsesionado con la posible toma del poder por parte de ciertos pinípedos ("Focas"); la resaca ("Hoy no me puedo levantar"); situaciones de crisis en lugares Europeos ("Boda en Londres", "Cenando en París"), la fijación de una persona por escuchar una canción que relata una relación de amor entre un hombre y su creación ("La Máquina de Vapor"); invasiones extraterrestres paupérrimas ("La bola de Cristal"); miradas escépticas a otros países ("Me río de Janeiro", "Japón"); personajes históricos ("Napoleón", "Colón"); y esbozos de declaraciones de principios ("Sólo soy una persona", "No pintamos Nada"). En fin, la lista es tan variada que podría estar muchas entregas en esto. Lo importante es que, a pesar de sus temáticas que podríamos denominar incluso incoherentes, hay una base tan sólida, potente y creativa, que uno se rinde indudablemente frente a estos tipos que estaban re-creando todo. La música es punto aparte: llena de arreglos, matices y dominada por teclados y sintes. Pero en una envoltura ochentera y new-wave. Esta etapa es un imprescindible. Parece una música visionaria envuelta en melodías masticables. Y aún se ven sus estragos. Si no, pregúntenle a Javiera Mena y a otros tantos.

Esquemas Juveniles por Javiera Mena

2007-01-03T07:59:00.000-08:00

No hay fecha que no llegue; ahí radica la gracia del tiempo. Y ahora que ya he podido escuchar tanto el disco en sí como la presentación del mismo en vivo; creo tener una visión más completa de este ¿primer? paso de Javiera Mena. Y la primera palabra que se cruza, impaciente, es obviamente, pop. Javiera Mena es una cantautora de pop. Y aquí quiero dejar en claro confusamente que son justamente esas virtudes las que se vuelven falencias y viceversa. Porque al escuchar algo como "Al siguiente nivel", uno se da cuenta que hay algo muy bueno y muy malo escondido en estas series de sintetizadores, en esta nuevamente reconocible, en este encargo unificador con todos. Los temas, de amor, nos juntan, pero nos separan. Porque es un amor adolescente, ideal, el mismo que se gasta con los años y el mismo que uno nostálgicamente quiere revivir siempre. En cuanto a las composiciones, son poderosas, uno podría disolverlas y siempre quedaría una médula soportando melodías; pero es sin duda en los arreglos, esos pequeños detalles y matices, donde Javiera realmente se hace escuchar y donde se le perdonan todas sus falencias o virtudes. Porque a veces que las cosas sean tan buenas y perfectas (como el mismo idealismo del amor adolescente) termina por volverse horrendo. Ansioso de un segundo trabajo.

Tappi Tikarrass: Kola!!!!

2007-01-03T07:57:00.000-08:00

Hay tantos puntos mítico-místicos en la historia de esta muchachita Björk que a uno le cuesta creer que algunos sí sean ciertos: Como esta banda anterior a The Sugarcubes iniciada en su natal Islandia a comienzos de los '80s: Tappi Tikarrass.
Anterior a esto (y aquí vuelve el terreno del mito) Björk tocaba (o cantaba en términos estrictos) en una banda punk llamada Kulk; y después llegaría a este grupo precisamente post-punk. Sacaron un álbum llamado Miranda -1983-, el cual es interesante como ver fotografías antiguas: tienen una poderosa nostalgia, y hay gente que uno reconoce fácilmente, hay cosas que aún son queridas, pero fallan al traerlas al presente. No quiere decir que la banda sea mala o plana, pero suena anacrónica. Como era obvio, fue rescatada debido a la popularidad alcanzada por su ex-vocalista y ahora circula un álbum que incluso recopila temas sueltos y etc.
Tappi Tikarrass trae una música que contiene elementos que uno reconoce y siente en varias bandas después de Bauhaus o -siendo más justos con los deudos- Joy Division. Nada nuevo, pero tomando en cuenta el tiempo y el lugar, es una banda que tiene muchos méritos. Pero el tiempo es un tirano que tiende a hacer borrosas muchas distinciones.

Human Switchboard: Who's Landing in my Hangar????

2007-01-03T07:56:00.000-08:00

Situémonos: Finales de la década de los '70s, una bandilla llamada Human SWitchboard, bajo el alero de un integrante de Pere Ubu, lanzan su único álbum de estudio (la historia cuenta que tienen 2 álbumes en vivo, pero ni rastro de ellos) "Who's Landing in my Hangar?"(1981). Cuentan con una organista (Myrna Marcarian) y dos muchachos a cargo de cuerdas y tarros. Con fuerte influencia Velvetiana, este grupo se pasea sobria y poderosamente por la sicodelia y un protopunk tan hermoso como rudimentario. Mientras el órgano (Hammond obviamente) entrega una calidez y una desafiante actitud durante todo el álbum. Destacar una canción sobre otra sería absurdo; claro que hay unas mejores que otras, pero el resultado es sublime. Es una lástima que esta banda durara tan poquito. Sería un placer verla aún sacando álbumes y ver qué hubieran logrado hacer con ese potencial. Talvés ahora harían basura, pero buena basura. Que es mucho mejor que lo que ocurre hoy por hoy. Y por cierto, volver a escuchar esas agradables "papas fritas" del disco de vinilo es realmente un gozo especial. Human Switchboard es algo realmente especial, júzguenlo uds. mismos.

The Go! Team: Ponle POP!

2007-01-03T07:54:00.000-08:00

Hay algo demasiado fresco, renovado y natural a la vez al escuchar este debut de Go! Team:Thunder, Lightning, Strike (2004). La manera de enfocar el pop -siempre moderno, siempre de raíz, con melodías reconocibles- es original como su manera de combinar melodías de porristas con vientos y fuerza armónica. Hay momentos en que uno se encuentra en una relectura de esos temas instrumentales de películas como "Rocky" ("The Power is On") y es tan agradable, certero y efectivo que uno piensa en lo ajustado de su nombre (Go! Team). Hay que tener especial ojo con ellos, puede ser algo como una bocanada de viento fresco.
The Go! Team proviene de Brighton, Inglaterra. Es un sexteto que gusta de mezclar cosas dísimiles (guitarras ruidosas, cantos de porristas, vientos fuertes, scratches y demases) con un acercamiento, un abrazo de oso al pop.
El resultado es glorioso, bonito y sobrio. Este álbum es una inyección de energía para un día lento y parsimonioso. La mejor cura para una sala de espera. Especial atención con las vocalizaciones de Ninja, uno parece volver a unos '80s ingenuos pero llenos de vida. Y al uso de la armónica, que logra momentos de absoluta belleza.

Artic Monkeys: Demasiado rápido, demasiado pronto

2007-01-03T07:52:00.000-08:00

Los anglosajones, admitámoslo, son adelantados: usan ropa de calle antes, sacan sendas carreras universitarias a los 21 años (como historia-literatura-biología con mención en pedagogía), se desvirgan antes, y, claro, forman bandas antes que uno sueñe con comprarse una guitarra de palo. En Sheffield, Inglaterra nace esta banduja de granujas llamada Artic Monkeys. Y con un promedio de 19 años ya tiene un segundo álbum (Whatever People Say I Am, That's What I'm Not) en las bateas. Este álbum es realmente una bomba, tanto, que uno ya empieza a sentir un poco de lástima por ellos; si no generan una reinvención, colapsarán de tanta energía protoadolescente. Y es que la primera tanda de seis canciones es tan insuperablemente rugiente, poderosa, rockera, tan a la vena, que esa frenada en seco que es "Riot Van" jamás permite que el álbum vuelva a despegar. Por ganas no se queda, por algo el pastiche sonoro es tan juvenil; pero no vuelve a ser lo mismo. Como el primer campamento, el viaje de estudios o etc.
Artic Monkeys es una buena banda. Nada que negar. Pero también es necesario pensar como la hormiga que guardaba para el invierno. Y los inviernos musicales son más fríos que la nieve. Mucho más fríos.

Joanna Newsom: barco de papel en el río

2007-01-03T07:50:00.000-08:00

Esta muchachilla ha estado revoloteando cual colibrí en este espacio, y ya era tiempo de develar su secreto para quienes no la conocen, y de hacer un poco de justicia para quienes si la conocen. Hablar de Joanna Newsom es sumergirse en este mundo de los cantautores llenos de guiños, de autoreferencias, y talvés eso pueda producir cierto rechazo en el sentido que son elementos casi ostracistas. Pero al romper la dura cáscara del principio y ver el mundo que se alberga, uno se da cuenta que la espera vale la pena. Esta muchacha de Nevada, alumna de arpa clásica y dueña de una voz entre nasal y cálida, crea melodías, canciones que van a parar -como su video de "Sprout and Bean"- en un río que se dibuja y desdibuja en sus dedos que se pasean por este extravagante instrumento que es el arpa. Sin embargo, en su debut "The Milk-Eyed Mender" (2004), no sólo se presenta con su arpa, sino también con un piano muy "Honky-tonky", destartalado, que le da una sonoridad interesante y atractiva a sus composiciones.
Hay algo realmente mágico en esta cantautora entre sus rasgos apaches, y sus cautivadoras notas que va dulcemente esparciendo de su arpa. Una noche clara de estrellas entre tanta obscuridad de guitarras desesperadas por contar algo que, entre tanto ruido, no se comprende su mensaje. Acá tampoco el mensaje es claro, pero es, definitivamente, más dulce.

Smog: Exceso de Niebla y Polución

2007-01-03T07:48:00.000-08:00

Cuando uno escucha algo como "You Moved In" (de "Doctor Came at Dawn"(1996)) , los experimentos musicales de "Sewn to the Sky"(1990), o los tediosos temas de "Dongs of Sevotion"(2000); uno se da cuenta que Bill Callahan -también conocido como Smog, por cierto "smog" es un acrónimo, una yuxtaposición entre dos palabras: smoke (humo) y fog (niebla)- es un tipo "algo" bipolar. Porque es difícil definir esta masa musical que se deforma, reforma y muta en cada nueva entrega. Personalmente, puedo realizar una autopsia a tres posibles etapas: una, de sus orígenes, muy experimental, muy low-fi, de folk sicodélico; una, más avanzada, sumida en la más profunda desolación, tristeza y melancolía; y una tercera definitivamente más aburrida, sosa y de hastío. Sea donde sea que esté Smog, siempre se le hecha de menos. En cada álbum se puede descubrir un algo perdido, un tesoro, un dejo de mensaje urgente demasiado escondido como para querer dejarlo ir.

Nancy Sinatra; avanzando con sus botas...

2007-01-03T07:46:00.000-08:00

Si de por si misma ya es difícil la tarea de ser un cantautor en un mundo donde todos creen serlo, imaginen el estar a la sombra de uno de esos grandes, grandes. Como Frank Sinatra. Y ser mujer. Ser la hija de Sinatra le dejó a Nancy sólo una opción si también deseaba seguir esa ruta: crear su propia senda, un camino nuevo pero a la vez reconocible por cualquier mortal.
Nacida en un verano de 1940 (no saquen cuentas por favor), Nancy Sinatra estudió canto, danza y recursividad de la voz muy cercana a los deslumbrantes focos del estrellato. Comenzó como actriz en cine y televisión, descubriendo pronto que lo realmente suyo era la música.
Es una tarea titánica tratar de abarcar en tan pocas líneas el periplo poderoso de esta muchacha, además de absurdo. Es necesario recalcar solamente que Nancy Sinatra se para en sus dos pies enfundados en sus botas, y sabe cuando cantar como una pequeña y dulce sicodélica, y no perder jamás su idiosincrasia. En una época donde sólo Janis Joplin (entre las mujeres) podía cantar los blues, Nancy también se atrevió y sale tan airosa, tan brillante, que uno reconoce que hay algo de su mafioso padre. Pero en una sensibilidad tan femenina, tan Nancy que sólo queda tocar sus canciones como una brisa fresca, que ha venido soplando hace un par de décadas.

Autolux: Puturo Ferfecto

2007-01-03T07:45:00.000-08:00

Hay demasiados elementos para llegar a pensar que la búsqueda de Autolux -ese trío de L.A.- se vuelve interesante sin dejar de ser comedida. Con una sensibilidad femenina encargada de los tambores (Carla Azar) y dos cuerdas masculinas (Eugene Goreshter y Greg Edwards) este "Futuro Perfecto", debut del trío, no es para nada una reinvención o una vuelta de tuerca. Pero el buen gusto de los arreglos, esas ganas de buscar la tensión musical necesaria sin salir del "dream-pop" (ese extraño concepto para definir bandas ruidosas pero matizadas) les da un aura de banda con inquietudes. Hay apatía musical como en "Angry Candy", o cosillas más experimentaloides ("Sugarless") o absolutas capas de dulzura en "Great Days for the Passenger Element".
"Future Perfect" es de esos álbumes para confiar, para sentarse a dejar que la identidad de la música se redefina sin jamás dejar abiertamente de mostrar de manera casi exhibicionista su tupido árbol genealógico.

Hanne Hukkelberg el cielo también existe

2007-01-03T07:42:00.002-08:00

Justamente a raíz del comentario anterior, he debido comerme mis propias palabras al confiar en una corazonada que ha abierto una bella buena nueva. Y es que esta muchachilla de 26 años, Hanne Hukkelberg es realmente esa brisa de aire fresco que se necesitaba.
Con un debut a su haber (Little Things, 2005) ha dado vuelta ese cajón de los recuerdos de las melodías simples y gentiles, llenas de aromas a otras épocas. Y uno, claro vuelve a creer en toda la magia de la música y augura buenos frutos a futuro.
Los arreglos, ah los arreglos: finos, de buen gusto, tibios, misteriosos y un poco obscuros. Como una fiesta de cadáveres, pero alegre. Con challa de otra época. Con serpentinas que silban una melodìa escondida. Pero que en cualquier momento pueden tomar el poder y armar un momento de júbilo.
Sólo pedir que pronto podamos escuchar más de ella. Y que este debut no sea una increíble coincidencia. Un salto de liebre vacío e irrepetible.

Amor (antes de la) primera oída

2007-01-03T07:42:00.001-08:00

Es realmente extraño y extravagante cómo nuestros prejuicios y juicios a la ligera, nos arman y desarman. Cuando algo o alguien nos dice, jura, y argumenta que algo es bueno o malo (esos dos únicos determinantes que parecen escapar de lo fragmentado e ínsipido del mundo "real"), inmediatamente nuestra carga valórica crea una predisposición para con ello. En música, eso es altamente complicado, sino en la vida entera.
No porque algo/alguien estatize que ese álbum, compositor o lo que sea "debe" ser escuchado, uno debe ir preparado ya para escuchar algo digno de nuestra calaña.
Voy a esto ya que rememoraba una situación personal: tuve la mala racha de leer antes, a priori, acerca de Joanna Newsom, esa extravagante "girl next door" (que me perdonen el gringaso, pero es un buen referente para esta cantautora estadounidense) que toca el arpa y el piano de una moderna forma. Fue tanta la alabanza, el encomio para esta muchachita y su álbum "The Milk-Eyed Mender", que caí prendado de su verborrea, su persuasión fuerte y segura. Debo admitir que el álbum goza de buena salud y me gusta, casi independientemente de lo leído.
Pero en millones de casos no acontece lo mismo. Artículos que juran de guata que estamos ante la reinvención de la música no son sino débiles varillazos al vacío. Ahora escucho The Ocean Blue, banda altamente recomendada y que no me produce ni frío. Desprejuiciarse es imposible -sería como arrancarse la cultura- pero a veces es bueno seguir la corazonada, sin caer en la estolidez de confiar sólo en nuestra intuición; me está dando por agregar algo en verdadera reacción alérgica al Trascendentalismo, pero por suerte esto es Música.

Silver Apples; sin miedo a morder la manzana...

2007-01-03T07:39:00.000-08:00

No se puede estatizar si en verdad la música a medida que transcurre el tiempo se queda sin ideas -al menos las ideas geniales-, pero algo es seguro: la forma de interpretarlas, de volver a esas viejas y queridas notas y ritmos una y otra vez dice mucho de la versatilidad de las composiciones y (cómo no) de sus interpretaciones; por algo se habla (y mucho) de cómo suenan los nocturnos de Chopin en manos de Claudio Arrau o de Lang Lang. Por algo cada concierto de una banda específica no es una monótona repetición de algun álbum o un set de canciones: es el ritual de volver a vivir esa determinada melodía.
Con esto quería prepararlos para algo que me ronda en la cabeza hace un tiempo y que Silver Apples (porque de ellos trata la entrega) me confirma: todos los géneros, sub-géneros y meta-géneros en música ya han ocurrido, mis queridos drugos. Al parecer desde los '70s que ya no ocurre nada muy nuevo bajo el sol.
La electrónica, que pareciera asunto tan contemporáneo, tan de fin de siglo queda al descubierto a través de este singular dúo, no me vengan con Krautrock o desempeños electronicoides de bandas progresivas setenteras: el verdadero techno fue originado por Silver Apples. Nacen en el año de 1967 por su vocalista Simeon y Danny Taylor en plena Nueva York (y que me perdone Gran Bretaña).
Su influencia es tan absoluta, sobre todo en estos grupillos experimentales de la electrónica que, obviamente, han sido casi borrados de la historia de la música.
El resultado, la atmósfera que logran con un modulador, unos teclados básicos y mucho ingenio es sencillamente arrolladora. Les invito a escuchar su debut "Silver Apples"(1968) y su seguidilla llamada "Contact"(1969) para que se hagan una idea de que el futuro siempre ha estado. Al menos en cuanto a música se refiere.

"Miastenia" OvO: Otro Comienzo

2007-01-03T07:37:00.000-08:00

Debo admitir que la vertiente que nunca ha terminado de convencerme en música es el metal: pónganle el nombre que quieran, siempre termina dándome un dejo de monotonía, de canción eterna sin ningún matiz. Quizás estoy errado y no he escuchado lo necesario, pero no puedo evitar sentir este dejo de apatía frente a ese estilo cada vez que lo escucho. Incluso casi me arrepiento de haber escuchado algún tiempo a Iron Maiden -aunque Carcass sonaba bien, debo admitirlo. La única banda que se salvó de esos devaneos con el metal fue Crisis (gran, gran banda). En pleno 2006 me encuentro con un álbum como "Miastenia", viz debilidad muscular. La banda, Ovo, es como una gran cantidad de partidas falsas, o como una banda que muta dentro de un área; parte con 2 canciones que no hacen dudar que hemos vuelto al thrash. Sin embargo, a medida que avanzan las composiciones (y se alargan en tiempo) uno no sabe si la cosa es un poco doom, o la sicodelia, o la mismísima Diamanda Galas se deglutieron a la banda. Ovo en estricto rigor es un dúo italiano (Bruno Dorella y Stefania Pedretti). Deben trabajar desde el 2000. Algo sin duda siniestro los recorre -las vocalizaciones de Stefania son casi invocadoras- y uno vuelve a replantearse qué diablos es esto de los estilos. Probablemente no más que una etiqueta para poder seguir hablando, para avanzar, para continuar a nuestro ritmo contemporáneo, que no nos permite reflexionar más de lo necesario. OvO es una banda de metal en pleno siglo XXI; si eso una ventaja una desventaja o una muestra de que todo regresa, eso es algo para los que le importe. Me gustó esta bandilla, da confianza en el futuro de la música.

Policia Internacional En Plenas Cabriolas

2007-01-03T07:35:00.000-08:00

Nunca un álbum definió tanto a una banda. "Antics" (2004) habla por todo lo que fue, es y puede llegar a ser Interpol. Este cuarteto Neoyorquino se vuelve esta segunda entrega. Cuando uno escucha algo como 'Slow Hands', se le revela un macizo bloque sonoro que sólo puede ser Interpol. Incluso en intentos más "masivos", como 'Evil' o 'Narc' la dirección que la música genera es tan poderosa, tan órfica, que no se puede negar que la música de Interpol va de viaje.
Posee su final fúnebre ('A Time to be so Small') e incluso una partida falsa ('Next Exit'), pero el pedal que va generando a medida que avanza va consumiendo cualquier duda. Es, sin dudas, de esos álbumes que gustan de seducirte y tenerlos en un lugar donde el "play" sea obligado. Como una personita definió, hay una frustración tanto en música como en el canto mismo, pero una frustración sobria, casi asumida, de persona en época de revelación.

Indietrónica: Lali Puna, The Postal Service

2007-01-02T17:54:00.000-08:00

Situación ficticia: Un día niñito indie le ofrece una flor a niñita electrónica que se la recibe gustosa como diciendo "Ya era tiempo que me miraras"; niñito y niñita van al parque de juegos, comen un helado, miran los atardeceres que los verán envejecer.
En estos tiempos donde todo se recicla, se junta, se deglute y se mezcla, en esta confusión híbrida y moderna, es donde se dan la mano la electrónica y el indie. Y el resultado no es tan horripilante como se pudiera pensar.
Lali Puna, esa bandita alemana que es como el rescate de la ya fundida electrónica, es un paso adelante en cómo la tecnología se vuelve regalona y tierna al lado de un buen proyecto musical que la sepa guíar. "Tricoder", ese excepcional álbum de 1999 que parece hecho sin tiempo (o, al menos sin llegar a que importe) fue su debut-debut ("Snooze" y "Safe Side" fueron sus predecesores). De ahí en adelante "Scary World Theory", "Faking the Books" y el compilado "I Thought I was Over That" reafirman todo el esquema de adornos electrónicos y voces pop que arman el sendero de Lali Puna; pueden llegar a ser exasperantemente minimalistas, es cierto, pero dejan ese gustillo a que hay algo más que una simple repetición infinita de sonidos.
Por otra parte, The Postal Service es la cara más (re)conocida y más ligera de esta escena. Llamado así por la forma que tenían de comunicarse sus ideas musicales, este dúo se avoca a crear melodías potencialmente sugerentes intoxicadas de efectos electrónicos sonoros. Las bases tienden a disperzarse, perderse, juntarse y desarmarse otra vez creando momentos preciosos. Algo más que probado en "Such Great Heights" que, a estas alturas, ya es casi un himno alternativo -dato al margen: poseen una canción titulada "El Himno Natural".
Con sólo su álbum debut "Give Up" (2003), aunque varios ep's y singles a cuestas, ya han azotado a varias generaciones con su propuesta singular (por ahora).
A la hora de decantar por uno de los dos, mi balanza cae en Lali Puna, no por una razón de elitismo sino por una fijación de búsqueda: hay en Lali Puna mucho de viajero, de marinero intranquilo en la playa; siento en The Postal Service más complacencia, más ganas de quedarse en el cómodo lecho del pop. No reniego que en la creación de una buena melodía hay mucho sudor e inspiración. Sin embargo, me gusta viajar.

Ídolos...

2007-01-02T17:52:00.000-08:00

Antes acostumbraba a relacionar la música como personas que tenían la facultad de crearla. Tendía a idealizar estas personas ya que podían crear música que me generaba muchas sensaciones. Me aprendía de memoria los nombres de cada uno de sus integrantes y culpaba a la partida o llegada de nuevos músicos el que algún registro no me gustara. Sin duda, idolatrar a un músico es algo muy común; uno supone que las vidas de los músicos deben ser casi mágicas, o por lo menos rodeadas de mucha creatividad.
La palabra "Ídolo" procede del Latín "Idolum" y éste del Griego "Eidolon", con la raíz "eid/id" que expresa la idea de visión, imagen, reflejo sin realidad.
Por suerte, tuve la oportunidad de conocer esta revelación que titula mi espacio "El Instrumento de Expresión de la Música es el Ser Humano"; es clarificador ya que así uno se da cuenta que nadie es indispensable: Los Beatles no son John Lennon, ni Ringo Star; pudieron ser ellos, tanto como pudieron ser otros. Lo importante no es la persona que genera la obra, sino la obra en sí.
Asi, tendremos la fortuna de siempre esperar nuevas obras, nuevos sonidos; la música está a la espera, casi al agüaite de nuevas personas para llevarlas a ese precioso evento de ser y hacer música.

Holden? C’est très magnifique

2007-01-02T17:48:00.000-08:00

Imagen: tres amigos, sentados en plena municipalidad de las condes (aqui vienen las pifias); un bello atardecer de Febrero sentados cercanos al pasto; un poco de pisco sour en los cuerpos, un buen cigarrillo; a unos metros de nosotros Dominique, vocalista de Holden cantando ese pedazo de canción que es "La Machine".
Holden, esa banda francesa que se erige cual pilar para demostrar que el pop no ha muerto, toca en nuestro país Chile cada cierto tiempo -nota al margen: su nombre proviene del protagonista de ese mediocre libro de Salinger "El Guardián en el Centeno", Holden Caulfield.
Holden le dice adiós a la década de los '90 con "L'arriere monde", un disco medio caótico en cuanto a texturas, pero que se agradece indudablemente. Personalmente no será hasta que ese monstruo melódico llamado "Chevrotine" (2006) haga aparición que Holden tome el rumbo definitivo de banda consagrada bajo sus propias aguas.
Holden desea romper el clásico estereotipo de banda con niña-vocalista al frente. Y casi, casi lo logra. De todas maneras, el esfuerzo bien vale la pena sobre todo cuando se trata de escuchar a ese París que se arma y re-arma en esta época inclasificable.
Y sin dejar de mirar atrás en ningún momento, Holden se convierte en esa reverencia, esa venia al pop francés de tantos insuperables cantautores.
Por cierto, lo del pisco sour y los cigarros es opcional para escucharlos.

La (otra) cara de Bristol

2007-01-02T17:44:00.000-08:00

Para muchos Bristol (esa portuaria ciudad de Gran Bretaña) en los '90 fue (y es) el sinónimo de bandas como Portishead y el borroso Tricky. Sin embargo, debajo de esta capa superficial -que no necesariamente insabora- se encontraba otro mundillo absolutamente recomendable. No quiero excederme y en esta entrega sólo comentaré dos grandes proyectos: The Third Eye Foundation y Crescent.
The Third Eye Foundation nace de un miembro de Flying Saucer Attack (esa monumental banda que parecía buscar la (in)tolerancia sonora más que un placer en ella), Matt Elliott. Durante 1996 debutan con Semtex, un gran collage sonoro más ligado a la electrónica que a su rockero paso por Flying... sin dudar en esa veta experimental y de búsqueda sonora que les caracteriza. Realmente The Third Eye Foundation tiene tintes de secta, de congregación; algo en su música parece arremeter con una idea obscura, no palpable a primeras oídas. Después, Matt Elliott, ya asumiendo su identidad, lanzará discos solista. He tenido el placer de escuchar "The Mess We Made" y puedo inducir que su búsqueda ha dejado de lado la polirritmia para búscar texturas que casi, casi rozan la composición docta.
Crescent es la parte más rockerona de esto; aunque por rock acá se entiende algo ligeramente distinto al común denominador. Acá el eje principal es Matt Jones que, como en una urdimbre, fue parte de Movietone (otro imperdible) y que toca con su hermano que -sorpresa!- tocó en Flying Saucer Attack.
Crescent es más cercano a lo que se tiende a llamar post-rock. Sin embargo, también está esa potente tendencia a la búsqueda sonora (a veces hasta grados insufribles) aún a costa de un minimalismo cuasi absurdo.
Uno se cuestiona, ¿qué diablos ocurre en Bristol? Las vertientes musicales que se generan son, como mínimo, inquietantes;¿de qué increíbles modos el mar y el frío afectan el alma humana? Los resultados están al oído.

¿AntiCanon?

2007-01-02T17:43:00.001-08:00

Si bien en Literatura parece no haber nada más recomendable que haber leído muchos libros para leer sólo uno, en música eso parece cerrar en vez de abrir la concepción de ella.
Empecé a pensar en esto al escuchar dos bandas muy, muy buenas, altamente recomendables: Clap Your Hands Say Yeah e Interpol. Ambas, de una u otra manera, me recordaron a esa banda con "actitud" como se suele definir a The Strokes. Ambas bandas simplemente barrieron a The Strokes de mi gusto. Ahora escucharlos me parecería como tratar de ver un mono animado antiguo sin fijarme en la cantidad de errores técnicos y argumentales que posee.
O sea, ¿el canon le hace mal a la música? o, dicho más directamente, ¿escuchar muchas distintas músicas dañarán en demasía la posibilidad de escuchar otras?
La respuesta no es sencilla, pero algo es seguro: mientras más se acerque una banda a otra en estilo, postura y actitud, inevitablemente habra comparación. De hecho, se usa mucho esta forma de informar: "Es como The Cure pero con más teclado", "Es como si Pink Floyd se juntara con la Ellis Fitzgerald en ácido", etc.
Al haber comparación, habrá que optar. Y, con ello, una de las dos bandas terminará abandonada a su suerte. En consecuencia, al haber escuchado mucha música nuestro oído selectivo podrá organizar estilos, épocas, etc. y sabrá discriminar entre la que más se acerca a nuestro gusto (ese extraño tirano invisible) y la que no.
Definitivamente hay demasiada música como para optar por cualquiera, y hay poco tiempo para escucharla. Sólo una vida.

Broadcast...¡¡¡Que feonito!!!!

2007-01-02T17:40:00.000-08:00

Hay bandas como Broadcast (ese importantísimo cuarteto de Birmingham) que, aunque tengan todo el ímpetu de destruir una bella melodía; no pueden lograrlo. Como ejemplo está el clásico ejemplo de "Creep" de Radiohead -¿alguien olvidó ese quiebre guitarrero en el coro?. Simplemente porque Broadcast (comenzó el año 1995) es de aquellas bandas que tienen un real respeto por su música y aunque intenten entrar a ese ostracista mundo del "experimentalismo", no pueden abandonar esa veta pop que es tan propia de ellos; son tan elegantemente pop que parecen banda alternativa francesa.
Esto no quiere definir a Broadcast como otra buena banda más de pop, hay muchos elementos que en ellos se filtran, como la recién mencionada inquietud experimental.
Escuchar algo como "Work and Non-Work" o "The Noise Made By People" (que contiene ese tema inolvidable "C'mon Let's Go", verdadero himno al abandono), es un viaje y un reconocimiento a lo bien que hace el frío y la lluvia al alma.
Algunos dirán que Broadcast es una fútil copia de Stereolab; prefiero pensar en una banda que puede escapar de la elegancia kitsch francesa (ese profundo, amargo dejo nostálgico) sin perder ese sabor a bohemia como tan bien cantaba ese monstruo francés que es Charles Aznavour.

Concatenar...

2007-01-02T17:38:00.000-08:00

Javiera Mena, esa gran, gran promesa de la música de autor, tiene un tema que puede llamarse "Portales" o "Supapilapuso". Como aún espero por ese tan bullado álbum debut, no sé estatisar el nombre correcto. En la primera estrofa reza "En un auto, 8 y media, una niña 7 años, y la música que suena le trasciende..."
Si uno escucha a Javiera Mena escucha, sin duda, una gran confabulación de influencias: el primer mecano, mucho pop en español ochentero, muchas tardes de radio a.m., etc.
Javiera Mena rescata a esa cantante de pelo larguísimo que fue Daniela Romo. Pero a la vez rescata a otra muchachilla a.m. olvidada que fue Jeanette; ese gran baluarte de la metáfora hacia el amor por el sexo masculino. Recuerdo una conversación antiquísima donde llegábamos a la conclusión que la única mujer cantante que se ha expresado metafóricamente con calidad hacia el hombre es justamente Jeanette; "Que tenga el corazón de poeta, de niño-grande de hombre-niño"; "es amigo y amante fiel de las estrellas", etc. (Todo esto DENTRO del canon -me estoy obsesionando con esta palabrita- a.m. claro está).
Javiera Mena es mucho más que un par de bonitas melodías a.m., eso está claro, pero también es necesario esto del rescate por igual de todo lo que conforma nuestro inconsciente colectivo musical. Quién diga que no se sabe una canción de emmanuele (¿se escribe asi?), lucio dalla, chayanne, rocio jurado, massiel, etc. Es porque simplemente nos está....
Esa melcocha es la memoria musical que lo forja a uno y es bueno saber mezclarla con lo más excelso de nuestros propios gustos por la música. Armonizar como tan bien sabe salir a veces de la música

The Fiery Furnaces: ¿Que esta pasando aqui?

2007-01-02T17:34:00.000-08:00

Este duo conformado por los hermanos Matthew y Eleanor Friedberger es realmente algo. No hara mucho atras cuando baje (casi por casualidad) un album llamado "Rehearsing My Choir"(2005). En un principio, no pude entender de que iba todo esto: una suerte de comedia o drama musicalizado, mucho dialogo, mucha musica que cambiaba en un espiral sin fondo, pianos, ataques rockeros, pequeños trazos de folk; junto a dos voces magistrales.
Provenientes de Oak Park (Illinois), sus familiares estaban fuertemente conectados con el mundillo de los musicales y la teatralizacion. Sin embargo, en The Fiery Furnaces hay mucho más que eso; para hacerles una idea imaginense ese gran, gran tema de Velvet Underground "The Murder Mystery", pero llevado a cotos extravagantes.
En the Fiery Furnaces esta, sin complejos, ese arraigo a la familia, a un sonido, a una forma de tocar los instrumentos sin miedo a morderse la lengua. Pienso en la guitarra trastocada de Violeta Parra. Acá tambien hay mucho de eso, de la raíz del folk estadounidense; pero en pleno siglo XXI, que ya ni siquiera es problematico y febril.

En Busca del Tiempo Perdido...

2007-01-02T17:30:00.000-08:00

No, no se trata de una reseña o crítica a ese hermoso libro (peco un poco al decir esto, ni siquiera termine el primer tomo) de Marcel Proust. La cosa va por otro lado y tambien por ese mismo sendero de swann. Miro mi (ahora) pobre coleccion de cassettes en la pieza. Hubo un tiempo en que llegue a tener 200 y talves mas. Con que afan viajaba los fines de semana a algun persa, feria, etc a buscar alguna joyita para mi coleccion: bauhaus, slowdive, the smiths, el primero de radiohead, my bloody valentine, etc.
Lo escuchaba con una devocion inmensa. Despues de aprenderlo bien (de memoria), ocupaba su lugar en mi cassetteca (¿se dira asi?).
Ahora las cosas han cambiado, ya ni siquiera voy al persa a comprar música. Ya no compro EL cassette, bajo discografías completas. Antes tenia un personal que te aguantaba un cassette, y menos, sólo un lado. Para escuchar la siguiente canción tenías que, o usar el lapiz bic consagrado para ello (a veces llaves), o arriesgarte a gastar pilas para llegar a esa melodía. Ahora echo 6 ó 7 albumes en una cosa chica que, si quiero, programo las canciones que voy a escuchar de cada álbum.
No echo de menos el pasado; a lo que voy es a la cantidad de esfuerzo que se le asigna a algo. Dicen que lo que cuesta se valora. Ahora es más importante bajar la música que escucharla. Tengo discos que ni se de quien son y jamás he escuchado.
Recuerdo unas fotocopias que me prestó un amigo contrabajista que hablaban de cómo el "RITUAL" de la música se ha perdido. Antes, la gente asistía al debut de una composición; la orquesta tocaba las partituras aún tibias de la transcripción de su autor. La gente disfrutaba embelezada, no podían perder una nota. Después de el evento; la gente sólo poseía su memoria para seguir disfrutando de la melodía escuchada. Nada más que su memoria (con lo frágil que es).
Mientras escribo esto suena Charlie García; quizás cuantas sutilezas musicales han escapado a mi oído atento. La música se ha vuelto esclava del vertiginoso ritmo de la contemporaneidad.
Por eso odio cuando dicen "Esa música es súper buena pa estudiar", "esa es súper buena pa pintar la casa", etc.
Pero a la música no le importa; ella está por encima de lo humano y lo sobre-humano.

Envejecer al Ritmo de Una Melodía

2007-01-02T17:24:00.000-08:00

Carlos Cabezas lanza sus mejores discos rozando o pasando los 50's; Christina Rosenvinge, de 42, lanza su mejor álbum de siempre (Continental 62); Rosario Blefari, ya sin esa banda ícono que es Suárez, da vida a unas canciones tan sencillas como hermosas...(Estaciones) ¿La vejez le hace bien a la música?
Recordaba a Can, esa bandera de lucha de lo que fue el KrautRock, viz Kraut es una palabra ofensiva para dirigirse a alguien de procedencia Germana; se juntaron cuando todos rozaban (o pasaban) los 28 años, no precisamente unos lolitos. Y crearon "Tago Mago" que es referente casi obligado para demasiados músicos y bandas.
No todos logran envejecer con gracia; Yes fue un "tormento" en los 80's y para que decir de otras bandas del rotulo progresivo como Genesis, Rush, y los Pink Floyd.
Mi punto es que realmente lo que se conoce como rock esta dejando de ser asunto de juventud y se transforma en un asunto más transversal; si no, vean a los Rolling Stones, o Evaristo de la Polla, por último Iggy Pop.
En realidad lo que queria era simplemente crearles cierta expectacion acerca de estos 3 músicos que nombraba al comienzo de esta entrega. Christina comenzó muy lolita en una banda protopunk, como muy bien definió una muchacha, "Ella y los Neumáticos"; después se endulzó con el pop zalamero de Alex y Christina, se volvió masiva con los Subterráneos, y después se enclaustró con la parte masculina de Sonic Youth. Este devenir habla de la inquietud musical que maneja la vida de los compositores. Y se debe calificar este periplo de genial, abracadabrante (emarianamente hablando) si termina en un puerto como "Continental 62".
Ya, me chorié de escribir.